Experimentos Pre-cinematográficos.

Hemos hablado ya acerca de la cámara lúcida y la cámara oscura, denotando el vínculo que tuvieron estos objetos en la creación de nuevos instrumentos que terminaron en el desarrollo de las imágenes en movimiento. Podríamos citar como experimentos anteriores al cine al teatro de sombras, de origen asiático, en el cual se crean figuras utilizando la sombra que se obtiene al obstaculizar el paso natural de la luz. O también la linterna mágica, donde, utilizando el mismo principio que el teatro de sombras, se proyectaban imágenes de diapositivas pintadas a mano.

Al desarrollarse la teoría de la persistencia retiniana, se crean nuevos artefactos, como el taumatropo, un cartón con dos imágenes dibujadas en sus dos caras, que al hacer girar se superponen. La rueda de Farady influye en nuevas formas, llegando al fenaquitiscopio, una rueda que contiene imágenes y rendijas para poder ver al que se le hace girar verticalmente y frente a un espejo para observar una animación; el praxisnoscopio, un cilindro con una tira de imágenes dentro y en medio unos espejos donde se ve la animación al girar; el zoetrópo que en vez de espejo contiene rendijas para poder observar la animación; en fin, muchas versiones mejoradas de estos mismos aparatos, como el zoopraxiscopio elaborado por Muybridge, que es una versión de un fenaquistiscopio mejorada, donde la rueda ya no contiene las rendijas para ver sino que la animación es vista a través de una caja.

Taumatropo

Praxinoscopio

Reynaud propone su teatro óptico en el cual se proyectan animaciones a través de un dispositivo que, en palabras muy básicas, es el resultado de la combinación del praxinoscopio y la linterna mágica. Edison propone un artefacto también, el kinetoscopio, con gran parecido al artefacto de Muybridge. 

Teatro óptico

Todos estos dispositivos, además de influir en el nacimiento de un nuevo arte, también se inmiscuyeron en proyectos artísticos contemporáneos. Un ejemplo bastante directo es el desarrollado teatro negro de Praga, inspirado en el teatro de sombras. El teatro de negro de Praga es una representación teatral donde se utilizan trajes fluorescentes, linternas y escenarios oscuros, de ahí el nombre. Es necesario decir que el teatro de Sombras sigue vigente y muchos grupos artísticos mantienen sus obras en base a esta forma de teatro. 

Escena en el teatro Negro de Prada

En estos momentos es importante destacar el uso del gif como un elemento artístico. El gif (formato de intecarmbio de gráficos, en español) una herramienta web utilizado como una forma ligera de crear una pequeña animación, además de otros usos, ha sido ya utilizado en el ámbito artístico. Podemos citar a algunos artistas en este ámbito, como Bill Domonkos, que utiliza fotografías del pasado y que anima de manera bastante particular; o Job Jacobsen, fotógrafo que también ha incurrido en el arte del gif. 

Job Jacobsen

De igual forma, encontramos artistas que incurren de otra forma en la manera de utilizar la imagen en movimiento. Un ejemplo de esta es la animación, rama del cine que ya está muy adentrada al arte. Un ejemplo puede ser Jan Svankmajer que utiliza la técnica del stop motion y muñecos los cuales dota de humanidad a través de la animación. Michaela Pavlátová, la cual realiza animaciones en base a los dibujos que ella misma realiza, con tinte femenino y político.

Michaela Pavlátová

Scott Blake presentó el año pasado un flip-book de el atentado a las torres gemelas del 11 de septiembre de 2001. Aunque este artista no necesariamente se dedica a la imagen en movimiento, decidió utilizar esta alternativa para mostrar tal vez, un punto más fuerte en su mensaje. Cada página muestra una vista diferente del acontecimiento, y el observador propone la velocidad en qué verá la secuencia. Después de esta obra hace una versión más, ahora con un zoetropo. 

Scott Blake: 9/11 flip-book

En fin, tratar de mostrar cómo el desarrollo cinematográfico ha influido en tiempos actuales sería una empresa titánica, pues es lógico notar la magnitud de estos experimentos, que han visto nacer un nuevo arte. Podríamos estar estudiando todas las formas de influencia en nuestro arte hasta el punto de que el tema se vuelva ambiguo y el vínculo ya no parezca tan directo. Lo que es cierto, es que la forma en cómo se ha desarrollado la historia no puede ser la misma; la conclusión en la que vivimos necesita de el desarrollo de estos experimentos, artefactos, instrumentos, para funcionar como ahora lo hace. 

Dziga Vértov y "El hombre de la cámara"

Dziga Vértov propone darle la importancia que se merece el hombre que filma las películas que entretienen a la gente, lo cual me hace dar cuenta de lo rápido que el cine estaba evolucionando pues, como cada director estaba aportando su visión, Vèrtov además de aportar nuevas formas de hacer cine, también  muestra lo que tal vez aún no se había mostrado. 

Su film comienza explicándose a sí mismo; escrito en la pantalla se muestra un texto, que describe la intención de Vèrtov, diciendo que se apartará del teatro y otras artes para intentar un lenguaje universal a partir del cine. A partir de este hecho, la película narra visualmente al "hombre de la cámara" haciendo su trabajo: mostrando lo que graba y cómo lo hace, en la nación rusa. A partir de esto podemos entender que no se usarán escenarios montados, que se carece de una historia, que esto tal vez esté más cercano a lo que hoy conocemos como documental, que a una ficción. 

Dentro de las imágenes que toma, me es interesante el hecho de que filme el mismo teatro donde son proyectadas sus películas. Este hecho me parece particularmente innovador pues, aunque no sé con certeza de que él haya sido el primero en realizarlo, este simple hecho me cuenta una metáfora bastante poderosa: Un círculo. La hija dando a luz a la madre. La concepción de una idea donde se parte de que inicio no existe si no existe la conclusión. Un ciclo.  El film que filma al film.

El film sigue y Vértov nos da detalle de lo que significa ser camarógrafo. Subir hasta lo más alto posible para filmar la ciudad en su mejor ángulo; montar la cámara sobre un coche y  filmar en movimiento; entrar al agua con su tripié; cargarlo a todos lados. Los acercamientos no parecen ser algo nuevo.

También parece innovar en las imágenes que el adquiere. Al principio del film, la película muestra escenas muy cotidianas, la ciudad, gente etc., pero mientras va avanzando, la cotideaneidad sigue vigente en formas un poco más agresivas, muestra a una victima de un accidente desangrándose, un parto, etc.

Vértov sigue demostrando su habilidad a lo largo de la película desvaneciendo escenas sobre otras superponiéndolas, utiliza el stop motion, agrega negativos. 

Desde mi punto de vista, la película de Vértov se mantiene porque agrega al cine diferentes y nuevas formas de hacerlo. Además de que puede seguir pareciendo compleja a ratos, y exige que se vea con mayor detenimiento. La pregunta es qué lenguaje universal quería obtener; el mundo de las imágenes puede contener muchos significados y depender por supuesto de la época en la que se vive. 

Lúmiere, Méliès y Edison

Si tenemos que poner en juicio a estos grandes personajes en la historia del cine estaríamos siendo injustos, pues más que competir entre ellos (aunque sucedió entre Méliès y Edison) estos personajes contribuyeron al desarrollo del cine como lo conocemos actualmente.

Los hermanos Lúmiere, culpables de la primera proyección de un film, cuya fecha es considerada el principio de la Cinematografía, filmaron muchísimos proyectos con los cuales divirtieron a la gente de la época. Sus películas más que tener un guión o seguir una historia, eran demostrativas, es decir, le mostraban al mundo las primeras imágenes de gente real haciendo cosas. Un descubrimiento nuevo sin duda, pues lo mas cercano a lo que se había llegado eran a los dibujos animados. (Linterna mágica, praxinoscopio, un largo etcétera).

El film más cercano a un guión es el llamado "el regador regado" donde un chaval le juega una broma a una persona que riega el césped. 

Edison por su parte, quién no creía en el futuro del nuevo invento por no poder anexar el audio, comenzó a hacer films experimentales, demostrativos y por último narrativos, este hecho por la creciente fama de Mélies, del que hablaremos mas tarde, donde la fama de sus films alcanzó hasta Norteamérica. 

Cada vez que investigo más acerca de Edison noto la gran figura que era, tengo que decir que en la competencia energética prefiero a Tesla, pero me desviaré del tema si doy mis razones. Edison fue una persona que nunca dejó de trabajar, o al menos eso parecía. Sus films narrativos tenían la intención de entretener. Edison forma un estudio de filme, donde se graban cientos de películas. Particularmente vi el trabajo de "The great train Robbery" que se desarrolla en el estudio que el fundó. Para la época, era un film que cumplía con las expectativas, pues era entretenido, contaba con actores que lo hacían bien y también tenía efectos especiales, pocos, pero existentes. La diferencia entre el trabajo de los Lúmiere y las películas de Edison y su equipo en el estudio  es que éstos últimos ya habían adoptado la narratividad, sus films estaban destinados hacia el público y seguían una historia que mantenían a lo largo de la película. 

Aunque debo de ser objetivo, mi favorito en esta triada de personajes es Méliès. Sin quitar mérito a la invención del cinematógrafo y a la visión de que podría ser comercializado de los Lúmiere; y a la notable genialidad de Edison y su trabajo inalcanzable, Méliès, quien conocía el teatro le dió una vuelta que el mundo debe agradecer hacia el cine. 

Teatralidad en todos lados; efectos especiales que para su época eran increíbles; uso de planos que se camuflaban entre los personajes, haciendo parecer que el horizonte era infinito; además de historias fantásticas, que entretenían a todo público. Méliès, muestra en su film Le voyage dans la lune ésta nueva forma de hacer cine, y de introducir la magia y el ilusionismo a sus películas sin ningún problema. 

Para estos tiempos el vestuario y la caracterización de los personajes serían un poco aterradores (al menos, ver a la luna con el cohete ensartado en el ojo me quita un poco el sueño) pero para esa época estaba bien. Ese logro, el de darle vida a la luna poniéndole una cara, haciéndolo un personaje, es concebida únicamente por el talento de un visionario, además de otras cosas que  fueron inovadoras. Hay diferencia lógica entre Edison y Méliès, de la misma forma en cómo éste último sería comparado con los Lúmiere. 

De cualquier forma, el cine como lo conocemos actualmente no sería el mismo de no haber existido ninguno de los personajes mencionados, pues aunque no lo parezca sus historias se tejen más de lo que podemos ver a simple vista. La invención de la bombilla eléctrica da la oportunidad a los Lúmiere de resolver su nuevo invento. El trabajo de ellos después de alcanzar su climax exige que se comience a innovar, como lo harán Edison y Méliès. 

Metrópolis

"Metrópolis: el titanic, el matrix, el star wars mudo de 1927"

La película de Fritz Lang de 1927, considerado Memoria del Mundo por la UNESCO. 

Aunque muy diferente a lo que acostumbro a ver, estuve muy entusiasmado con este film y realmente lo disfruté. Si quieres entender la forma de pensar de la gente de épocas anteriores, es necesario conocer sus películas. Lo catalogaré como una película de ciencia ficción futurista, con tintes románticos y finales felices. 

Siendo breve, la película trata sobre una ciudad (Metrópolis) dividida en varios niveles, donde la clase alta vive en la superficie, mientras que los obreros viven en la "ciudad de los obreros", pisos abajo de la superficie. El hijo del "amo de Metrópolis", Freder, seducido por una chica, decide ver cómo se vive allá abajo dándose cuenta de que el trabajo es inhumano. Esta chica llamada María instruye a los obreros a esperar a que un mediador haga conexión entre las clases sociales para vivir en comunidad. El amo de Metrópolis decide boicotear a María, sustituyéndola con un robot que incite a los obreros a actuar con violencia. Esto sucede, los obreros destruyen todas las máquinas y en consecuencia su ciudad se ve inundada. María, que había sido secuestrada por el inventor, escapa y ayuda a los niños de la ciudad  de los obreros a salir de ella antes de ahogarse con la ayuda de Freder. Los obreros, sin saber que sus hijos están a salvo, deciden quemar a la "bruja" que causó todo esto, poniendo en la hoguera al robot de María. Ellos descubren ahí mismo que lo que están quemando es al robot. El inventor trata de atrapar a María de nuevo, pero Freder la salva y actúa como mediador entre los obreros y su padre, el amo de la Metrópolis, dando fin a la película. 

Ahora, me gustaría resaltar algunas cosas de la película que me parecieron interesantes, como el hecho de que, por no tener sonido, la película tenía que ser rápida en las cuestiones de habla entre los personajes, haciendo que el espectador sobreentendiera lo que cada uno se decía. De la misma forma, la película omitía ciertas circunstancias, como por ejemplo, el hecho de que en la hoguera se ve el descubierto el robot, pero de ninguna forma se muestra una escena siguiente donde los obreros comprendan que se trataba de un engaño realmente. O la escena donde María habla con el inventor, este le dice que fue el Padre de Freder quien decidió hacer a la robot igual que María; la escena siguiente María escapa sin saber si fue el inventor quien la dejó ir, o ella aprovechó una oportunidad para escapar. Esto se tiene que sobreentender. Tal panorama me deja pensativo: ¿El hecho de que el film sugiera al espectador que hay circunstancias que tiene que sobreentender es "bueno" o "malo"? En los films actuales, la información está bastante digerida, para que el espectador no tenga que invertir en un proceso intelectual mientras ve la película. Entonces, ¿los films anteriores se hacían para un público más dispuesto al proceso pensante?

Los efectos especiales son, desde mi punto de vista, un hito cinematográfico de esa época. El escenario futurísta muestra cómo se tenía idea de la ciencia en ese momento. Cuando el inventor crea al robot y la transforma a semejanza de María, el proceso es literalmente mágico. Ella se mantiene en una cápsula inconsciente, y está conectada al robot mediante unos cables en la cabeza de ambas. Después se jala una palanca y el robot adquiere su imagen como Frankenstein adquiriría la vida. 

Me dejó en duda un asunto sobre la película y es que, desde mí, lo que me parece lógico (tal vez empujado por la época en la que vivo) es que los obreros dejaran de trabajar y efectivamente, se levantaran en contra del "gobierno represor" (jaja), pero cuando ésto sucede las cosas salen mal, es decir, pareciera que la película da una enseñanza sobre el hecho de levantarse a exigir tus derechos y es que, te puedes destruir a ti mismo. Yo no compartiría esa idea, pero tal vez, (solo tal vez) ese era el pensamiento colectivo de la época. Puede ser que esta idea haya tenido una intención política o meramente sea solo una historia más. 

Sin embargo, el film mantiene la emoción. Freder peleando contra los obreros, María huyendo, María robot danzando y destruyendo todo. La pelea en los tejados. Un héroe que resuelve la situación. Me agradó la película, traté de verla de la forma más objetiva, considerando la época y si, me divertí. 

Koyaanisqatsi

La película dirigida por Goddfrey Reggio, muestra una serie de fotografías sobre el paisaje urbano y el natural, en forma de time-lapse. Carece de actores, aunque no niego a algún personaje, pues podría tomarse como éstos a la misma naturaleza y las ciudades.

Tengo que confesar, que la principio la película me pareció aburrida. Se proyectaba una serie de imágenes sobre pinturas rupestres, desiertos, ríos etc. La música era repetitiva y aveces un poco molesta, a mi parecer.

Después de un tiempo, las imágenes empezaron a cambiar; ésta vez se trataba de paisaje urbano, amontonado, desordenado. La música parecía seguir siendo la misma, pero ésta vez no me molestaba tanto. Quise entender el motivo de la película. Al principio me había aburrido pues pensaba que el time-lapse era algo que ya había visto muchas veces, pero, la misma película  hizo darme cuenta que tal vez, para su época se trataba de algo no tan común, incluso, que invitaba a la reflexión. Quise pues entender mejor la película, y noté el uso de aviones o algún vehículo áreo para las tomas desde el cielo, el uso constante del telefoto, el cual aplana las imágenes haciendo parecer que dos objetos distantes no lo están tanto. Noté luego que la película estaba yuxtaponiendo la tranquilidad de la naturaleza con la forma antinatural de las grandes ciudades, la polución, la contaminación visual y auditiva, el desgaste de vivir de esa forma. La forma periódica de de producción, como la comida, los coches, y otras cosas. La forma del humano, cómo camina, cómo se viste, cómo se comporta; o cómo lo hacía en ese momento.  Me sorprendí cuando me encontré a mí mismo inmerso en la película, justo la música que me había molestado algún tiempo ahora me había introducido en ella misma. Parecía que el ritmo y las imágenes estaban juntas y "se movían del mismo modo". Mi opinión cambió, pues si una película logra introducirte tanto en ella debe de ser buena.

Cámara oscura vs Cámara lúcida

El Instituto Max  Planck nos aclara el panorama de éste tema con su ensayo "Camera Obscura vs Camera Lucida – Distinguishing Early Nineteenth Century Modes of Seeing". En el, se hace una comparación --desde mi punto de vista bastante objetiva, completa y acertada-- entre éstos artefactos que durante un largo tiempo rigieron el tema de la imagen. 

A estas alturas, deberíamos tener consciencia de lo que son las cámaras oscura y lúcida pero, de forma introductoria, se muestra una breve descripción de estos. 

La cámara oscura es un dispositivo a base de una caja sellada para impedir el paso de luz, excepto en un agujero, colocado estratégicamente. Este agujero permite que la luz entrante se refleje en la pared opuesta, proyectando la imagen (al revés) de lo que se encuentra al exterior. 

La cámara lúcida, por su parte, es un dispositivo a base de un lente que, al acercar el ojo del usuario refleja y superpone la imagen que se encuentra frente al sujeto hacia la superficie donde se planea dibujar. 

Teniendo una visión bastante amplia ahora, dada por la investigación que he hecho, propongo a introducirme la atmósfera de aquellas épocas, buscando comprender la diferencia y el significado de éstos instrumentos. 

Vayamos primero a las diferencias obvias: como por ejemplo, el tamaño. La cámara oscura es, en comparación a la cámara lúcida, considerablemente más grande. Para los usuarios de la cámara oscura, fue necesario buscar maneras de hacerla portable pero aún en su versión más pequeña, la cámara oscura no alcanzaría el práctico tamaño de la cámara lúcida.

El modo de uso. Se llama "cámara lúcida" aunque en realidad no es  una cámara, con el significado que tenemos de ésta palabra actualmente. El usuario de este dispositivo debe acercar el ojo hacia el cristal reflector, el cual, superpondrá la imagen en la superficie donde será dibujada. Del otro lado, en la Cámara Oscura, el usuario debe estar dentro de la misma cámara, o bien, parcialmente dentro cuidando que no pase la luz donde la imagen se proyectará en una de sus paredes. Esta diferencia entre los dos artefactos es crucial pues, mientras que la cámara lúcida superpone una imagen para un solo usuario, la cámara oscura ofrece la posibilidad de que más de una persona pueda ver la proyección de una imagen. 

Esto desencadena en otro factor, ¿Cuál artefacto ofrece una imagen con mayor calidad? Debemos de destacar que la cámara lúcida ofrece una imagen virtual, mientras que la cámara oscura una proyección. En el ensayo realizado por el Max Planck Institute, abordan este tema y muestran que la imagen de la cámara lúcida tiene una buena calidad, los colores son bastante semejantes a la imagen original pero, el tamaño particularmente del horizonte cambia notablemente. En pocas palabras, calidad buena, pero con los tamaños falsos de los objetos más alejados. Por su parte, la cámara oscura muestra una proyección que está al revés, tiene una mayor precisión en el centro, mientras que en las orillas va perdiendo ésta. La imagen mostrada depende de factores climatológicos, pues la luz no tiene la misma intensidad cuando está nublado por ejemplo. 

Sin duda, la cámara oscura lleva ventaja al mostrar el "mismo tamaño de los objetos", pero la cámara lúcida muestra una mejor calidad en la imagen. 

No pueden haber un ganador en esta comparación pues, los dos artefactos estuvieron vigentes hasta el desarrollo de la cámara fotográfica y hasta hoy en día retomadas por algunos artistas, además de que en su época demostraron algunos fenómenos ópticos que también se desarrollaron en ciencia. Cada artefacto tenía un séquito que mantenían vivas las tradiciones de dichos instrumentos.

En este tiempo es difícil imaginar el impacto que tuvieron estos artefactos en su época, particularmente pienso que el haber desarrollado la cámara lúcida debió haber sido un boom, pues su portabilidad era clave al momento de dibujar. El instituto Max Planck, menciona dicho éxito al evidenciar la cantidad de elementos que fueron vendidos en Italia. La cámara oscura, por su parte, un tanto estorboza mostraba el inicio de lo que sería el cine. La imagen proyectada mantenía la atención puntual sobre una imagen al público que observaba. Sin duda estos elementos ayudaron a desarrollar lo que hoy estudiamos, imágenes en movimiento. 

Imágenes en Movimiento

Después de la fotografía, pareciera lógico que el siguiente paso sean las imágenes en movimiento. Esto, llevado a cabo gracias al manejo del tiempo, en el ordenamiento de las imágenes. 

Igual que en el semestre anterior en la primera entrada, en esta me describo como un ignorante en el tema, lo cual, con la experiencia adquirida en fotografía, me muestra que es una ventaja. Ventaja, por el hecho de no estar "contaminado" de ideas que posiblemente encapsulen mis posibilidades y las minimicen. 

El hecho de que conozca poco del tema no quiere decir que no esté entusiasmado; particularmente, me agrada mucho leer el temario y entender el potencial que tienen los temas como "el fenómeno audiovisual" "el color, la forma, el movimiento y la composición", "elementos del lenguaje cinemátografico", y la ideade hacer un slow motion, un timelapse, me agrada bastante porque me parece una forma directa de entender cómo, a pesar de haberse desarrollado tanto el tema del video, seguimos utilizando la misma forma física de hacerlo, mostrando imágenes diferentes en intervalos de tiempo cortos aprovechando la persistencia retiniana para mostrar una imagen única en movimiento. 

Lo que el curso espera de mi (y lo que mi formación también desearía) es que lo aproveche completamente. Y yo, del curso espero que sea igual o más completo que el curso anterior de fotografía. igual o más exigente, e igual o más satisfactorio.