Lúmiere, Méliès y Edison

Si tenemos que poner en juicio a estos grandes personajes en la historia del cine estaríamos siendo injustos, pues más que competir entre ellos (aunque sucedió entre Méliès y Edison) estos personajes contribuyeron al desarrollo del cine como lo conocemos actualmente.

Los hermanos Lúmiere, culpables de la primera proyección de un film, cuya fecha es considerada el principio de la Cinematografía, filmaron muchísimos proyectos con los cuales divirtieron a la gente de la época. Sus películas más que tener un guión o seguir una historia, eran demostrativas, es decir, le mostraban al mundo las primeras imágenes de gente real haciendo cosas. Un descubrimiento nuevo sin duda, pues lo mas cercano a lo que se había llegado eran a los dibujos animados. (Linterna mágica, praxinoscopio, un largo etcétera).

El film más cercano a un guión es el llamado "el regador regado" donde un chaval le juega una broma a una persona que riega el césped. 

Edison por su parte, quién no creía en el futuro del nuevo invento por no poder anexar el audio, comenzó a hacer films experimentales, demostrativos y por último narrativos, este hecho por la creciente fama de Mélies, del que hablaremos mas tarde, donde la fama de sus films alcanzó hasta Norteamérica. 

Cada vez que investigo más acerca de Edison noto la gran figura que era, tengo que decir que en la competencia energética prefiero a Tesla, pero me desviaré del tema si doy mis razones. Edison fue una persona que nunca dejó de trabajar, o al menos eso parecía. Sus films narrativos tenían la intención de entretener. Edison forma un estudio de filme, donde se graban cientos de películas. Particularmente vi el trabajo de "The great train Robbery" que se desarrolla en el estudio que el fundó. Para la época, era un film que cumplía con las expectativas, pues era entretenido, contaba con actores que lo hacían bien y también tenía efectos especiales, pocos, pero existentes. La diferencia entre el trabajo de los Lúmiere y las películas de Edison y su equipo en el estudio  es que éstos últimos ya habían adoptado la narratividad, sus films estaban destinados hacia el público y seguían una historia que mantenían a lo largo de la película. 

Aunque debo de ser objetivo, mi favorito en esta triada de personajes es Méliès. Sin quitar mérito a la invención del cinematógrafo y a la visión de que podría ser comercializado de los Lúmiere; y a la notable genialidad de Edison y su trabajo inalcanzable, Méliès, quien conocía el teatro le dió una vuelta que el mundo debe agradecer hacia el cine. 

Teatralidad en todos lados; efectos especiales que para su época eran increíbles; uso de planos que se camuflaban entre los personajes, haciendo parecer que el horizonte era infinito; además de historias fantásticas, que entretenían a todo público. Méliès, muestra en su film Le voyage dans la lune ésta nueva forma de hacer cine, y de introducir la magia y el ilusionismo a sus películas sin ningún problema. 

Para estos tiempos el vestuario y la caracterización de los personajes serían un poco aterradores (al menos, ver a la luna con el cohete ensartado en el ojo me quita un poco el sueño) pero para esa época estaba bien. Ese logro, el de darle vida a la luna poniéndole una cara, haciéndolo un personaje, es concebida únicamente por el talento de un visionario, además de otras cosas que  fueron inovadoras. Hay diferencia lógica entre Edison y Méliès, de la misma forma en cómo éste último sería comparado con los Lúmiere. 

De cualquier forma, el cine como lo conocemos actualmente no sería el mismo de no haber existido ninguno de los personajes mencionados, pues aunque no lo parezca sus historias se tejen más de lo que podemos ver a simple vista. La invención de la bombilla eléctrica da la oportunidad a los Lúmiere de resolver su nuevo invento. El trabajo de ellos después de alcanzar su climax exige que se comience a innovar, como lo harán Edison y Méliès. 

Metrópolis

"Metrópolis: el titanic, el matrix, el star wars mudo de 1927"

La película de Fritz Lang de 1927, considerado Memoria del Mundo por la UNESCO. 

Aunque muy diferente a lo que acostumbro a ver, estuve muy entusiasmado con este film y realmente lo disfruté. Si quieres entender la forma de pensar de la gente de épocas anteriores, es necesario conocer sus películas. Lo catalogaré como una película de ciencia ficción futurista, con tintes románticos y finales felices. 

Siendo breve, la película trata sobre una ciudad (Metrópolis) dividida en varios niveles, donde la clase alta vive en la superficie, mientras que los obreros viven en la "ciudad de los obreros", pisos abajo de la superficie. El hijo del "amo de Metrópolis", Freder, seducido por una chica, decide ver cómo se vive allá abajo dándose cuenta de que el trabajo es inhumano. Esta chica llamada María instruye a los obreros a esperar a que un mediador haga conexión entre las clases sociales para vivir en comunidad. El amo de Metrópolis decide boicotear a María, sustituyéndola con un robot que incite a los obreros a actuar con violencia. Esto sucede, los obreros destruyen todas las máquinas y en consecuencia su ciudad se ve inundada. María, que había sido secuestrada por el inventor, escapa y ayuda a los niños de la ciudad  de los obreros a salir de ella antes de ahogarse con la ayuda de Freder. Los obreros, sin saber que sus hijos están a salvo, deciden quemar a la "bruja" que causó todo esto, poniendo en la hoguera al robot de María. Ellos descubren ahí mismo que lo que están quemando es al robot. El inventor trata de atrapar a María de nuevo, pero Freder la salva y actúa como mediador entre los obreros y su padre, el amo de la Metrópolis, dando fin a la película. 

Ahora, me gustaría resaltar algunas cosas de la película que me parecieron interesantes, como el hecho de que, por no tener sonido, la película tenía que ser rápida en las cuestiones de habla entre los personajes, haciendo que el espectador sobreentendiera lo que cada uno se decía. De la misma forma, la película omitía ciertas circunstancias, como por ejemplo, el hecho de que en la hoguera se ve el descubierto el robot, pero de ninguna forma se muestra una escena siguiente donde los obreros comprendan que se trataba de un engaño realmente. O la escena donde María habla con el inventor, este le dice que fue el Padre de Freder quien decidió hacer a la robot igual que María; la escena siguiente María escapa sin saber si fue el inventor quien la dejó ir, o ella aprovechó una oportunidad para escapar. Esto se tiene que sobreentender. Tal panorama me deja pensativo: ¿El hecho de que el film sugiera al espectador que hay circunstancias que tiene que sobreentender es "bueno" o "malo"? En los films actuales, la información está bastante digerida, para que el espectador no tenga que invertir en un proceso intelectual mientras ve la película. Entonces, ¿los films anteriores se hacían para un público más dispuesto al proceso pensante?

Los efectos especiales son, desde mi punto de vista, un hito cinematográfico de esa época. El escenario futurísta muestra cómo se tenía idea de la ciencia en ese momento. Cuando el inventor crea al robot y la transforma a semejanza de María, el proceso es literalmente mágico. Ella se mantiene en una cápsula inconsciente, y está conectada al robot mediante unos cables en la cabeza de ambas. Después se jala una palanca y el robot adquiere su imagen como Frankenstein adquiriría la vida. 

Me dejó en duda un asunto sobre la película y es que, desde mí, lo que me parece lógico (tal vez empujado por la época en la que vivo) es que los obreros dejaran de trabajar y efectivamente, se levantaran en contra del "gobierno represor" (jaja), pero cuando ésto sucede las cosas salen mal, es decir, pareciera que la película da una enseñanza sobre el hecho de levantarse a exigir tus derechos y es que, te puedes destruir a ti mismo. Yo no compartiría esa idea, pero tal vez, (solo tal vez) ese era el pensamiento colectivo de la época. Puede ser que esta idea haya tenido una intención política o meramente sea solo una historia más. 

Sin embargo, el film mantiene la emoción. Freder peleando contra los obreros, María huyendo, María robot danzando y destruyendo todo. La pelea en los tejados. Un héroe que resuelve la situación. Me agradó la película, traté de verla de la forma más objetiva, considerando la época y si, me divertí. 

Koyaanisqatsi

La película dirigida por Goddfrey Reggio, muestra una serie de fotografías sobre el paisaje urbano y el natural, en forma de time-lapse. Carece de actores, aunque no niego a algún personaje, pues podría tomarse como éstos a la misma naturaleza y las ciudades.

Tengo que confesar, que la principio la película me pareció aburrida. Se proyectaba una serie de imágenes sobre pinturas rupestres, desiertos, ríos etc. La música era repetitiva y aveces un poco molesta, a mi parecer.

Después de un tiempo, las imágenes empezaron a cambiar; ésta vez se trataba de paisaje urbano, amontonado, desordenado. La música parecía seguir siendo la misma, pero ésta vez no me molestaba tanto. Quise entender el motivo de la película. Al principio me había aburrido pues pensaba que el time-lapse era algo que ya había visto muchas veces, pero, la misma película  hizo darme cuenta que tal vez, para su época se trataba de algo no tan común, incluso, que invitaba a la reflexión. Quise pues entender mejor la película, y noté el uso de aviones o algún vehículo áreo para las tomas desde el cielo, el uso constante del telefoto, el cual aplana las imágenes haciendo parecer que dos objetos distantes no lo están tanto. Noté luego que la película estaba yuxtaponiendo la tranquilidad de la naturaleza con la forma antinatural de las grandes ciudades, la polución, la contaminación visual y auditiva, el desgaste de vivir de esa forma. La forma periódica de de producción, como la comida, los coches, y otras cosas. La forma del humano, cómo camina, cómo se viste, cómo se comporta; o cómo lo hacía en ese momento.  Me sorprendí cuando me encontré a mí mismo inmerso en la película, justo la música que me había molestado algún tiempo ahora me había introducido en ella misma. Parecía que el ritmo y las imágenes estaban juntas y "se movían del mismo modo". Mi opinión cambió, pues si una película logra introducirte tanto en ella debe de ser buena.

Cámara oscura vs Cámara lúcida

El Instituto Max  Planck nos aclara el panorama de éste tema con su ensayo "Camera Obscura vs Camera Lucida – Distinguishing Early Nineteenth Century Modes of Seeing". En el, se hace una comparación --desde mi punto de vista bastante objetiva, completa y acertada-- entre éstos artefactos que durante un largo tiempo rigieron el tema de la imagen. 

A estas alturas, deberíamos tener consciencia de lo que son las cámaras oscura y lúcida pero, de forma introductoria, se muestra una breve descripción de estos. 

La cámara oscura es un dispositivo a base de una caja sellada para impedir el paso de luz, excepto en un agujero, colocado estratégicamente. Este agujero permite que la luz entrante se refleje en la pared opuesta, proyectando la imagen (al revés) de lo que se encuentra al exterior. 

La cámara lúcida, por su parte, es un dispositivo a base de un lente que, al acercar el ojo del usuario refleja y superpone la imagen que se encuentra frente al sujeto hacia la superficie donde se planea dibujar. 

Teniendo una visión bastante amplia ahora, dada por la investigación que he hecho, propongo a introducirme la atmósfera de aquellas épocas, buscando comprender la diferencia y el significado de éstos instrumentos. 

Vayamos primero a las diferencias obvias: como por ejemplo, el tamaño. La cámara oscura es, en comparación a la cámara lúcida, considerablemente más grande. Para los usuarios de la cámara oscura, fue necesario buscar maneras de hacerla portable pero aún en su versión más pequeña, la cámara oscura no alcanzaría el práctico tamaño de la cámara lúcida.

El modo de uso. Se llama "cámara lúcida" aunque en realidad no es  una cámara, con el significado que tenemos de ésta palabra actualmente. El usuario de este dispositivo debe acercar el ojo hacia el cristal reflector, el cual, superpondrá la imagen en la superficie donde será dibujada. Del otro lado, en la Cámara Oscura, el usuario debe estar dentro de la misma cámara, o bien, parcialmente dentro cuidando que no pase la luz donde la imagen se proyectará en una de sus paredes. Esta diferencia entre los dos artefactos es crucial pues, mientras que la cámara lúcida superpone una imagen para un solo usuario, la cámara oscura ofrece la posibilidad de que más de una persona pueda ver la proyección de una imagen. 

Esto desencadena en otro factor, ¿Cuál artefacto ofrece una imagen con mayor calidad? Debemos de destacar que la cámara lúcida ofrece una imagen virtual, mientras que la cámara oscura una proyección. En el ensayo realizado por el Max Planck Institute, abordan este tema y muestran que la imagen de la cámara lúcida tiene una buena calidad, los colores son bastante semejantes a la imagen original pero, el tamaño particularmente del horizonte cambia notablemente. En pocas palabras, calidad buena, pero con los tamaños falsos de los objetos más alejados. Por su parte, la cámara oscura muestra una proyección que está al revés, tiene una mayor precisión en el centro, mientras que en las orillas va perdiendo ésta. La imagen mostrada depende de factores climatológicos, pues la luz no tiene la misma intensidad cuando está nublado por ejemplo. 

Sin duda, la cámara oscura lleva ventaja al mostrar el "mismo tamaño de los objetos", pero la cámara lúcida muestra una mejor calidad en la imagen. 

No pueden haber un ganador en esta comparación pues, los dos artefactos estuvieron vigentes hasta el desarrollo de la cámara fotográfica y hasta hoy en día retomadas por algunos artistas, además de que en su época demostraron algunos fenómenos ópticos que también se desarrollaron en ciencia. Cada artefacto tenía un séquito que mantenían vivas las tradiciones de dichos instrumentos.

En este tiempo es difícil imaginar el impacto que tuvieron estos artefactos en su época, particularmente pienso que el haber desarrollado la cámara lúcida debió haber sido un boom, pues su portabilidad era clave al momento de dibujar. El instituto Max Planck, menciona dicho éxito al evidenciar la cantidad de elementos que fueron vendidos en Italia. La cámara oscura, por su parte, un tanto estorboza mostraba el inicio de lo que sería el cine. La imagen proyectada mantenía la atención puntual sobre una imagen al público que observaba. Sin duda estos elementos ayudaron a desarrollar lo que hoy estudiamos, imágenes en movimiento. 

Imágenes en Movimiento

Después de la fotografía, pareciera lógico que el siguiente paso sean las imágenes en movimiento. Esto, llevado a cabo gracias al manejo del tiempo, en el ordenamiento de las imágenes. 

Igual que en el semestre anterior en la primera entrada, en esta me describo como un ignorante en el tema, lo cual, con la experiencia adquirida en fotografía, me muestra que es una ventaja. Ventaja, por el hecho de no estar "contaminado" de ideas que posiblemente encapsulen mis posibilidades y las minimicen. 

El hecho de que conozca poco del tema no quiere decir que no esté entusiasmado; particularmente, me agrada mucho leer el temario y entender el potencial que tienen los temas como "el fenómeno audiovisual" "el color, la forma, el movimiento y la composición", "elementos del lenguaje cinemátografico", y la ideade hacer un slow motion, un timelapse, me agrada bastante porque me parece una forma directa de entender cómo, a pesar de haberse desarrollado tanto el tema del video, seguimos utilizando la misma forma física de hacerlo, mostrando imágenes diferentes en intervalos de tiempo cortos aprovechando la persistencia retiniana para mostrar una imagen única en movimiento. 

Lo que el curso espera de mi (y lo que mi formación también desearía) es que lo aproveche completamente. Y yo, del curso espero que sea igual o más completo que el curso anterior de fotografía. igual o más exigente, e igual o más satisfactorio. 

Comentario Final

Vuelvo a leer mi primer comentario del blog e inmediatamente me doy cuenta de que no soy el mismo de antes. La dirección que han tomado mis ideas sobre la fotografía son completamente distintas a las que veía en ese tiempo. Presumía de ignorante en el tema, de menor rango que aficionado, con justa razón.

Habiendo entendido la teoría y empleado las formas que se expusieron en clase, no estoy satisfecho. Mi disgusto principal es que aún no he sido capaz de resolver la imagen desde un punto de muy mío de vista. Para mi fortuna, la clase ha logrado uno de sus objetivos en mí: Me ha quitado el miedo de salir y tomar una fotografía. A lo largo de estos meses, mientras fotografiaba, me encontraba en la calle con personajes bastante singulares que terminaban siendo violentos, por el hecho de pensar que el tener una cámara fotográfica me hacía reportero. Medianamente se equivocaban pues, aunque no trabajo para un medio de difusión, es cierto que la cámara te da cierto poder. Poder de la imagen. Estoy seguro de que mi relación con la fotografía no termina aquí. Más bien ha empezado y me da gusto tener un semestre más de clase sin cambiar de profesor pues, eso me da oportunidad de seguir resolviendo dudas, si es que la hay, en fotografía.

El profesor nos pide que incluyamos en este comentario una idea de cómo mejorar la clase. Desde mi punto de vista, la administración del tiempo es base. Aunque en este se hizo todo lo posible por empezar la clase de forma puntual, darse tiempo a las prácticas, etcétera, considero que esta fórmula se quebraba cuando revisábamos las fotografías: Se revisaban las fotos de los mismos alumnos y eso impedía que algunos otros tuvieran una revisión más personalizada. Las soluciones: El cronometrado es una buena opción. Podría ser factible y un ejercicio de prueba que cada alumno “critique” una fotografía de otro compañero (de forma escrita)  y después se revisen dichas críticas. Así se fortalece la visión del alumno. Si la crítica no es objetiva, también debería exponerse con el afán de aprender sobre el error.  Otra idea que me pareció muy buena y que tengo que decir no es mía. Es que el análisis que el profesor tenga sobre las fotografías sean mandadas por escrito a los alumnos. De esta forma el tiempo en clase no se altera y el alumno puede estar enterado de qué debe mejorar. Me parece que habiendo tantas fotografías por checar, sería bueno que el alumno escogiera la “peor” fotografía de su repertorio, para ser criticada. (me refiero con “peor” a la insatisfacción que el alumno tenga por una fotografía en particular). 

Pola Weiss

Me encontraba en las primeras clases de la licenciatura de Física y Matemáticas  en el Instituto Politécnico Nacional y, como es bien sabido, éstas dos materias son temidas por mucha gente que, a mi parecer, temen simplemente por el hecho de que no se han dado a la tarea de conocer un poco más de éstas, nada que ver con la dificultad.

En una de estas pláticas introductorias a la carrera, un ponente, inspirado en la vida de algunos científicos, nos dijo las siguientes palabras:

“Grandes genios han caminado hacia el lado contrario al que todo el mundo camina. Su vida ha estado llena de rechazo e incomprensión. Pero en su genialidad, en un momento de brillantez le demuestran a toda esa gente que estaban caminando hacia el lado equivocado. Y rompen los esquemas, y cambian al mundo.”

Tengo que decir que saber sobre Pola Weiss me causa nostalgia. Tal vez mi visión sobre ella sería diferente de no haber sabido que se suicidó. El trabajo de Pola no fue tan aceptado en el país como lo fue en otros países. Pola fue pionera en el videoarte en México, cosa que no resultó tan sorprendente en su tiempo como ahora me parece sorprendente.

En la exposición, que tiene más bien una dirección  documental, se expone el desarrollo de su visión artística. Se muestra ante su padre y se excusa el hecho de que tal vez ella reniegue los deseos de él al dedicarse a otra cosa menos común como al arte. “Vi de otro modo la vida” (Videato).

Se grababa en la calle mientras danzaba, además de  grabar las reacciones de las personas que la observaban. Reacciones que evidencian que la gente que observaba muchas veces no entendía de qué se trataba. -Caminaba hacia el lado contrario-.

Entiendo que a esto te debes de enfrentar cuando retas la normalidad. Cuando haces algo que no entiende la mayoría de las personas. Al rechazo. Este es el camino del artista o del científico, que popularmente se describen como locos. No pretendo hacer crítica sobre sus decisiones, pues es claro que en este país el arte no se ha aceptado completamente como nuestro. Esta vez quiero iniciar una idea, que la educación artística se extienda más allá del DF y eduque a nuestra gente de buen criterio a la hora de recibir nuevas ideas.