The Passing, de Bill Viola VS Rumble Fish, de Coppola

La comparación entre éstas dos obras es meramente técnico, pues de otra forma son distantes. Rumble Fish, es lanzada como una película mas cercana a lo comercial que The passing, cuya intención está más cercana al ámbito artístico. Éstas dos obras no coiciden en tiempo, Bill Viola lanza su pieza en el 91, mientras que Rumble Fish había sido estrenada en el 83. Aunque las dos películas están en blanco y negro, el lenguaje de éstas dos es diferente. Rumble Fish utiliza el blanco y negro para enfatizar después las escenas que contienen color. The passing en cambio, utiliza el blanco y negro de manera diferente, la película contiene muchas escenas en la noche, con lo cual las luces son mas acentuadas en  blanco y negro por el contraste natural en estos dos colores. Así mismo, escenas que refieren en lo onírico despejan cualquier distracción, y se enfocan precisamente en lo que el autor prefiere mostrar. 

Como película, es claro que Rumble Fish tiene una narrativa y mantiene una historia, mientras que The passing cuenta con una narrativa pero carece de una historia, sus sucesiones de imágenes no son continuas, es un conjunto de fragmentos que pueden hablar aisladamente y en conjunto reúnen los requisitos para la creación de un lenguaje, menos directo como el caso de las películas comerciales. 

The passing tiene escenas en donde se muestran formas que parecen muy abstractas, y son reconocibles solamente después de que un suceso propio del objeto ocurre. Como el caso de un tren, por ejemplo, en el cual al principio solamente es reconocible una luz que va cambiando de forma, se fragmenta en reflejos y después empieza a acercarse hasta desaparecer y mostrar que las luces eran en realidad los faros del tren. También mantiene cambios de escena exquisitos, donde dos escenas de lugares y situaciones diferentes se juntan pareciendo un suceso único, como las pisadas de un niño debajo del agua, que en un momento al tropezar genera una agitación en el agua y cuando ésta empieza a calmarse se ve a una persona adulta cayendo hacia el fondo del mar; ahora hay más profundidad en el agua. Excelsa. 

Bill Viola me habla sobre el tiempo, la niñez y la vejez, el inicio y el fin. Utiliza constantemente una atmósfera acuosa, lo cual podría ser predecible al tratar de hablar del tiempo. Un fluido más denso que el aire mantiene el movimiento más lento dentro de éste; las caídas se muestran más lentas, se enfatizan. los pasos son detenidos por el agua. Los juegos de las luces también son parte del lenguaje de Viola. Las formas irreconocibles. Es claro que entre estas dos obras existe una diferencia en en lenguaje que utilizan. Bill Viola "carece de palabras". Su lenguaje es visual completamente, el entendimiento de The passing, desde mi punto de vista, es de forma sensible, es decir, se aleja de la comunicación directa y pretende conectarse a un punto más emocional. Me parece muy humana pues la caídas en el agua me remiten a esos sueños donde caes (todo mundo ha tenido uno de esos) que a su vez me muestran la desesperación de no poder hacer nada más, no poder rescatarte. Caer. 

Me da la impresión de que Bill tiene toda la intención de lo visual, pues desde mi punto de vista deja a un lado el audio al tener en toda la película un constate sonido: atmosférico, que suena como a agua moviéndose, que suena como un coche venir y alejarse, que suena como el aire. 

Rumble Fish utiliza medios diferentes. Basada en la narrativa muestra una historia. Existen personajes reconocibles que mantienen un diálogo constante. El audio enfatiza ciertas escenas. Incluso podría, para ciertas personas, ser más atractiva que la pieza de Bill Viola. 

¿Qué cuál es la mejor? Siempre existe esta pregunta porque estamos muy acostumbrados a ella. Parece como si al comparar dos cosas necesitaramos saber qué es mejor. La respuesta es la misma que si comparamos el español y el inglés, por ejemplo. No hay mejores, pues las dos son una forma de lenguaje, qué el inglés sea más fácil de aprender que el español, es una cuestión diferente...

Alter-Video, de Eugeni Bonet

Pues que me leí el librito  y me encontré con un recuento sobre la historia del video, el desarrollo de la televisión, la televisión de paga y dentro de otras cosas, el video arte. Primeramente me encuentro sorprendido de cómo se "siente" que exista una diferencia grande de tiempos, entre en el que se escribió el libro y la época actual. Parece que el desarrollo del video comienza agresivo, la televisión se desarrolla de forma exponencial y dentro de esto el video que comienza a usarse dentro del arte. En este concepto encontramos a personajes bastante bien definidos, como es el caso de Nam June Paik. Aunque ya había escuchado el nombre de este personaje, no conocía la basta producción que dejó en el camino del video arte y las aportaciones que dejó para este desarrollo. Videoartista, experimental en el tema del audio electrónico, integrante de grupos como Happening y Fluxus, mencionado cientos de veces en este libro. Debía ser importante y lo es. 

Nam June Paik

Quiero mencionar el hecho de que para las épocas en que se escribió el libro parecía que sea veía --con mucha diferencia a como lo vemos hoy-- un futuro de la televisión totalmente diferente. En una parte del libro se habla de que en algunas ciudades de Norteamérica se dividían en pequeños sectores que tenían una señal local en televisión. Estas cabeceras daban la oportunidad de que gente que pudiese producir un programa fuese transmitido, en televisión local. También se hablaba de los precios de un satélite para la transmisión de un canal por cable, que eran bastante bajos y podían generar bastantes ganancias. Parecía que el futuro se perfilaba a una producción masiva de canales de televisión y programas hechos por "cualquier persona". Aunque es cierto que ahora existen grandes cantidades de canales de televisión, ahora ya comprar un satélite o producir un programa no es tan "sencillo" como antes, alejándose de las posibilidades que se estaban desarrollando. 

La forma en cómo el medio de producción y el medio de transmisión de se mantenían en comunión me parece ha cambiado un poco. Lo que para esas épocas era una nuevo implicaba el hecho de la experimentación, dando oportunidades, creando nuevas formas. Ahora, el medio de transmisión va dirigido a ser extremadamente rentable, con lo que la importancia del capital para este medio es exagerada. Existen producciones morbosas que existen solamente para alimentar este sentimiento entre la gente y mantenerte atado a lo que se está viendo. Algo completamente vil. Por supuesto no podemos hablar de forma general, pero este caso sucede con mucha frecuencia. 

En cuanto al video arte, algunos grupos de video artistas habían conseguido ser transmitidos en determinadas horas y en determinados espacios en la televisión. Se crearon grupos como los ya mencionas Happening o Fluxus que experimentaban sus posibilidades y se insertaban en diferentes circulos. El video arte es detonado por el lanzamiento del portapack, una cámara portátil que le daba al usuario la oportunidad de grabar y transportar su material. En el principio del libro se habla de lo que anteriormente hablabamos con la fotografía: No todo el video es arte, el video mismo no es arte, pero si da la oportunidad de crear una pieza artística a través de el. Como la fotografía, es un medio. 

Desde mi punto de vista, era inminente que la fotografía y el video fuesen utilizados como medios artísticos. Una de las cualidades del artista es seguir buscando un sistema que le permita expresarse de la manera más cómoda como sea posible. El artista es un cazador, un recolector que experimenta y propone, y esa necesidad de desarrollo y lenguaje mantiene viva la idea de creación. Este libro en particular me enfatiza la idea de experimentación, que para un ser humano es genética y natural, tanto que  nos ha permitido sobrevivir. 

Rumble Fish

Antes no veía películas. Cuando era pequeño, era normal en mi no tan adelantado Chiapas rentar películas los domingos y verlas en familia. Recuerdo subir al coche todos juntos y escoger democráticamente en cuáles films gastaríamos nuestra tarde. Generalmente eran entre 2 o 3 películas escogidas las que llevábamos a casa y nos disponíamos a ver. El formato de las películas era en Cassette VHS, el cual necesitaba de un aparato más --además del reproductor-- para regresar la cinta hasta el principio y poder ver la película completa. Mamá preparaba palomitas para todos, y después de acabar con los deberes, nos disponíamos a ver aquello que habíamos rentando. Total que al poco tiempo de la sesión me sentía aburrido y prefería irme y hacer otras cosas. Fuese la película que fuese, mi poca paciencia me hacía levantarme y gastar mis tardes de domingo en otras cuestiones. Sentí desde temprana edad, que las películas no eran para mí. 

Me mantuve con esa idea por mucho tiempo, hasta que decidí estudiar arte. Cuando llegué a la escuela noté que debía alimentar mi cultura disponiendo tiempo para todas las clases de arte y, aunque en un principio parecía un sacrificio, decidí administrar mi tiempo y darle un espacio a las películas que eran famosas por ser "buenas". Me sentí algo absurdo al darme cuenta de que me había perdido de mucho al negarme a las pelis. Y en este momento renace el sentimiento después de haber visto Rumble Fish. Soy de sorpresa fácil, lo cual no me parece un defecto, y aunque me he sentido satisfecho con los films que he visto a lo largo de la carrera, Rumble Fish realmente me ha agradado. Contiene escenas exquisitas, llenas de un simbolísmo pesado que me pareció además de obvio, también muy bien aplicado. La película está en blanco y negro y solamente existe color en dos cosas: los peces peleadores y cuando Rusty James está siendo esposado y comienza a golpear la ventana de la patrulla de policía. Parecería una solución fácil al énfasis que el director pone a los peces, pero, desde mi punto de vista, no solo se trata de darle importancia a los peces. Pareciese que el "chico de la moto" después de su vida de pandillero y su viaje a California ha adquirido una hipersensibilidad a las cosas. Se mantiene observador a las cosas, pareciese siempre feliz, y actúa de forma anormal, pareciera loco. Dicen que está sordo y es daltónico. Entendí con las dos escenas que realmente Rusty James entiende el sentido de las acciones de su hermano hasta cuando ya está muerto. La vida del chico de la moto era vacía, hasta que se encuentra en esta hipersensibilidad que su hermano no comprende. Entiende en ese momento que es hora de buscar aquello que quiere hacer con su vida, y en la bellísima escena en la que la gente habla del cuerpo de el chico de la moto, Rusty James se aleja en motocicleta del lugar. La escena siguiente es él y el océano detrás de él.

Me pareció genial la dirección de Coppola, las emociones de los personajes son tan claras que es fácil sentir empatía. Existen escenas que enriquecen la película, como cuando James está soñando con Patty, que a pesar de su estilo de vida, realmente la quería; James muriendo, cuando su "alma" sale de su cuerpo y visualiza a la gente que llora su muerte. Y después se encuentra en su cuerpo mismo mostrando que no murió. En fin, Coppola me mantiene atento todo el tiempo, pues la historia como las imágenes son exquisitas.

De forma técnica es notorio los cambios de planos y campos, que me parecieron bien aplicados. La superposición de dos imágenes cuando Rusty James sale de su cuerpo y  se mantiene levitando.

Aunque me da un sentimiento negativo el hecho de que no viese pelis durante mucho tiempo, esto se vuelve un acierto al tener la oportunidad de encontrar estas joyas que tal vez por mi mismo nunca me habría dado la oportunidad de ver. Rumble Fish me ha impactado bastante, metiéndose a una de mis películas favoritas. 

Magistral: Cine Experimental y Avantgarde

La primera magistral del semestre fue dada por el profesor Andrea y después por Luis. Por el título de ésta entrada, sabemos de qué se trató. El profesor Andrea mostró algunos artistas que experimentaron sobre las posibilidades del cine y Luis mostró cómo la escuela desarrollaba animaciones a partir de la experimentación.

En la primera mitad de la sesión, vimos el trabajo que artistas como Ruttman, Ritcher, Man Ray, Fischinger y otros más, experimentaron. Es algo bastante notorio el hecho de que para su época la experimentación consistía en integrar el sonido en una sucesión de imágenes. Particularmente me agradó el trabajo de Len Lye, con su Rainbow dance. Es interesante la forma en cómo el ritmo de la música y  las formas de las imágenes dialogan armónicamente, lo cual lo hace un trabajo divertido  y agradable a a la vista.

Este tipo de cine parece tener un desarrollo mayor en Europa, pues la mayoría de los artistas que conocimos son de países de continente.

A través de Luis, pudimos conocer un poco más sobre el taller de animación experimental que existe en la escuela. Rápidamente fue notorio lo "experimental" del taller, pues, desde palabras del propio Luis, el taller se desarrolló a partir de alumnos que siguieron intentando por sus medios desarrollar una forma experimental. Se mostraron las piezas que se desarrollan y desarrollaron en el taller mientras se hablaba de cada uno de ellos. 

En las clases de esta semana se planteó la idea de si el arte  debía  de ser divertido, concluyendo con una respuesta negativa. La obra artística sigue sus propios intereses, pasando por encima de lo que se considera divertido o no. Desde mi punto de vista, que un objeto sea divertido o aburrido depende de una visión muy personal; en algunos casos, lo divertido depende de que el espectador entienda el concepto. Lo enuncio pues, he tenido a partir de las clases y la magistral, una reflexión sobre cómo quiero que se dirija mi obra. ¿Es necesario entretener al espectador? a partir de los trabajos mostrados en la magistral, es notorio cómo algunos de los artistas piensan en esta situación y otros parecen ignorarlo o ni siquiera considerarlo. ¿Debería haber alguna diferencia? Desde mi punto de vista, el considerar si un trabajo es divertido o no conlleva a considerar a aquel que vea la obra. Y considerar esto puede tener una intención perversa: vender, hacer propaganda. (Por supuesto, esto es en casos particulares).  Desde que entré a la escuela noté el hecho de que consideraba al círculo artístico algo completamente diferente a lo que se me está mostrando. Ahora entiendo que el arte que se produce está basado en una serie de variables cuyas soluciones son las decisiones que se toman a partir de todas estas preguntas: A quién va dirigido o incluso, ¿se dirigirá a alguien?; qué intenciones tendrá, será divertido, se considera a quienes la observan... ¿será una animación? A través de todas las exposiciones de obras intento intuir la respuesta a estas preguntas. Particularmente en esta materia que aún no conozco del todo, quiero definir tales respuestas para poder encontrar una forma en cómo generar mi obra a través del video, pero aún hay una pregunta qué debo de considerar: ¿Es necesario definir las respuestas a todas estas preguntas?