The Passing, de Bill Viola VS Rumble Fish, de Coppola

La comparación entre éstas dos obras es meramente técnico, pues de otra forma son distantes. Rumble Fish, es lanzada como una película mas cercana a lo comercial que The passing, cuya intención está más cercana al ámbito artístico. Éstas dos obras no coiciden en tiempo, Bill Viola lanza su pieza en el 91, mientras que Rumble Fish había sido estrenada en el 83. Aunque las dos películas están en blanco y negro, el lenguaje de éstas dos es diferente. Rumble Fish utiliza el blanco y negro para enfatizar después las escenas que contienen color. The passing en cambio, utiliza el blanco y negro de manera diferente, la película contiene muchas escenas en la noche, con lo cual las luces son mas acentuadas en  blanco y negro por el contraste natural en estos dos colores. Así mismo, escenas que refieren en lo onírico despejan cualquier distracción, y se enfocan precisamente en lo que el autor prefiere mostrar. 

Como película, es claro que Rumble Fish tiene una narrativa y mantiene una historia, mientras que The passing cuenta con una narrativa pero carece de una historia, sus sucesiones de imágenes no son continuas, es un conjunto de fragmentos que pueden hablar aisladamente y en conjunto reúnen los requisitos para la creación de un lenguaje, menos directo como el caso de las películas comerciales. 

The passing tiene escenas en donde se muestran formas que parecen muy abstractas, y son reconocibles solamente después de que un suceso propio del objeto ocurre. Como el caso de un tren, por ejemplo, en el cual al principio solamente es reconocible una luz que va cambiando de forma, se fragmenta en reflejos y después empieza a acercarse hasta desaparecer y mostrar que las luces eran en realidad los faros del tren. También mantiene cambios de escena exquisitos, donde dos escenas de lugares y situaciones diferentes se juntan pareciendo un suceso único, como las pisadas de un niño debajo del agua, que en un momento al tropezar genera una agitación en el agua y cuando ésta empieza a calmarse se ve a una persona adulta cayendo hacia el fondo del mar; ahora hay más profundidad en el agua. Excelsa. 

Bill Viola me habla sobre el tiempo, la niñez y la vejez, el inicio y el fin. Utiliza constantemente una atmósfera acuosa, lo cual podría ser predecible al tratar de hablar del tiempo. Un fluido más denso que el aire mantiene el movimiento más lento dentro de éste; las caídas se muestran más lentas, se enfatizan. los pasos son detenidos por el agua. Los juegos de las luces también son parte del lenguaje de Viola. Las formas irreconocibles. Es claro que entre estas dos obras existe una diferencia en en lenguaje que utilizan. Bill Viola "carece de palabras". Su lenguaje es visual completamente, el entendimiento de The passing, desde mi punto de vista, es de forma sensible, es decir, se aleja de la comunicación directa y pretende conectarse a un punto más emocional. Me parece muy humana pues la caídas en el agua me remiten a esos sueños donde caes (todo mundo ha tenido uno de esos) que a su vez me muestran la desesperación de no poder hacer nada más, no poder rescatarte. Caer. 

Me da la impresión de que Bill tiene toda la intención de lo visual, pues desde mi punto de vista deja a un lado el audio al tener en toda la película un constate sonido: atmosférico, que suena como a agua moviéndose, que suena como un coche venir y alejarse, que suena como el aire. 

Rumble Fish utiliza medios diferentes. Basada en la narrativa muestra una historia. Existen personajes reconocibles que mantienen un diálogo constante. El audio enfatiza ciertas escenas. Incluso podría, para ciertas personas, ser más atractiva que la pieza de Bill Viola. 

¿Qué cuál es la mejor? Siempre existe esta pregunta porque estamos muy acostumbrados a ella. Parece como si al comparar dos cosas necesitaramos saber qué es mejor. La respuesta es la misma que si comparamos el español y el inglés, por ejemplo. No hay mejores, pues las dos son una forma de lenguaje, qué el inglés sea más fácil de aprender que el español, es una cuestión diferente...

Alter-Video, de Eugeni Bonet

Pues que me leí el librito  y me encontré con un recuento sobre la historia del video, el desarrollo de la televisión, la televisión de paga y dentro de otras cosas, el video arte. Primeramente me encuentro sorprendido de cómo se "siente" que exista una diferencia grande de tiempos, entre en el que se escribió el libro y la época actual. Parece que el desarrollo del video comienza agresivo, la televisión se desarrolla de forma exponencial y dentro de esto el video que comienza a usarse dentro del arte. En este concepto encontramos a personajes bastante bien definidos, como es el caso de Nam June Paik. Aunque ya había escuchado el nombre de este personaje, no conocía la basta producción que dejó en el camino del video arte y las aportaciones que dejó para este desarrollo. Videoartista, experimental en el tema del audio electrónico, integrante de grupos como Happening y Fluxus, mencionado cientos de veces en este libro. Debía ser importante y lo es. 

Nam June Paik

Quiero mencionar el hecho de que para las épocas en que se escribió el libro parecía que sea veía --con mucha diferencia a como lo vemos hoy-- un futuro de la televisión totalmente diferente. En una parte del libro se habla de que en algunas ciudades de Norteamérica se dividían en pequeños sectores que tenían una señal local en televisión. Estas cabeceras daban la oportunidad de que gente que pudiese producir un programa fuese transmitido, en televisión local. También se hablaba de los precios de un satélite para la transmisión de un canal por cable, que eran bastante bajos y podían generar bastantes ganancias. Parecía que el futuro se perfilaba a una producción masiva de canales de televisión y programas hechos por "cualquier persona". Aunque es cierto que ahora existen grandes cantidades de canales de televisión, ahora ya comprar un satélite o producir un programa no es tan "sencillo" como antes, alejándose de las posibilidades que se estaban desarrollando. 

La forma en cómo el medio de producción y el medio de transmisión de se mantenían en comunión me parece ha cambiado un poco. Lo que para esas épocas era una nuevo implicaba el hecho de la experimentación, dando oportunidades, creando nuevas formas. Ahora, el medio de transmisión va dirigido a ser extremadamente rentable, con lo que la importancia del capital para este medio es exagerada. Existen producciones morbosas que existen solamente para alimentar este sentimiento entre la gente y mantenerte atado a lo que se está viendo. Algo completamente vil. Por supuesto no podemos hablar de forma general, pero este caso sucede con mucha frecuencia. 

En cuanto al video arte, algunos grupos de video artistas habían conseguido ser transmitidos en determinadas horas y en determinados espacios en la televisión. Se crearon grupos como los ya mencionas Happening o Fluxus que experimentaban sus posibilidades y se insertaban en diferentes circulos. El video arte es detonado por el lanzamiento del portapack, una cámara portátil que le daba al usuario la oportunidad de grabar y transportar su material. En el principio del libro se habla de lo que anteriormente hablabamos con la fotografía: No todo el video es arte, el video mismo no es arte, pero si da la oportunidad de crear una pieza artística a través de el. Como la fotografía, es un medio. 

Desde mi punto de vista, era inminente que la fotografía y el video fuesen utilizados como medios artísticos. Una de las cualidades del artista es seguir buscando un sistema que le permita expresarse de la manera más cómoda como sea posible. El artista es un cazador, un recolector que experimenta y propone, y esa necesidad de desarrollo y lenguaje mantiene viva la idea de creación. Este libro en particular me enfatiza la idea de experimentación, que para un ser humano es genética y natural, tanto que  nos ha permitido sobrevivir. 

Rumble Fish

Antes no veía películas. Cuando era pequeño, era normal en mi no tan adelantado Chiapas rentar películas los domingos y verlas en familia. Recuerdo subir al coche todos juntos y escoger democráticamente en cuáles films gastaríamos nuestra tarde. Generalmente eran entre 2 o 3 películas escogidas las que llevábamos a casa y nos disponíamos a ver. El formato de las películas era en Cassette VHS, el cual necesitaba de un aparato más --además del reproductor-- para regresar la cinta hasta el principio y poder ver la película completa. Mamá preparaba palomitas para todos, y después de acabar con los deberes, nos disponíamos a ver aquello que habíamos rentando. Total que al poco tiempo de la sesión me sentía aburrido y prefería irme y hacer otras cosas. Fuese la película que fuese, mi poca paciencia me hacía levantarme y gastar mis tardes de domingo en otras cuestiones. Sentí desde temprana edad, que las películas no eran para mí. 

Me mantuve con esa idea por mucho tiempo, hasta que decidí estudiar arte. Cuando llegué a la escuela noté que debía alimentar mi cultura disponiendo tiempo para todas las clases de arte y, aunque en un principio parecía un sacrificio, decidí administrar mi tiempo y darle un espacio a las películas que eran famosas por ser "buenas". Me sentí algo absurdo al darme cuenta de que me había perdido de mucho al negarme a las pelis. Y en este momento renace el sentimiento después de haber visto Rumble Fish. Soy de sorpresa fácil, lo cual no me parece un defecto, y aunque me he sentido satisfecho con los films que he visto a lo largo de la carrera, Rumble Fish realmente me ha agradado. Contiene escenas exquisitas, llenas de un simbolísmo pesado que me pareció además de obvio, también muy bien aplicado. La película está en blanco y negro y solamente existe color en dos cosas: los peces peleadores y cuando Rusty James está siendo esposado y comienza a golpear la ventana de la patrulla de policía. Parecería una solución fácil al énfasis que el director pone a los peces, pero, desde mi punto de vista, no solo se trata de darle importancia a los peces. Pareciese que el "chico de la moto" después de su vida de pandillero y su viaje a California ha adquirido una hipersensibilidad a las cosas. Se mantiene observador a las cosas, pareciese siempre feliz, y actúa de forma anormal, pareciera loco. Dicen que está sordo y es daltónico. Entendí con las dos escenas que realmente Rusty James entiende el sentido de las acciones de su hermano hasta cuando ya está muerto. La vida del chico de la moto era vacía, hasta que se encuentra en esta hipersensibilidad que su hermano no comprende. Entiende en ese momento que es hora de buscar aquello que quiere hacer con su vida, y en la bellísima escena en la que la gente habla del cuerpo de el chico de la moto, Rusty James se aleja en motocicleta del lugar. La escena siguiente es él y el océano detrás de él.

Me pareció genial la dirección de Coppola, las emociones de los personajes son tan claras que es fácil sentir empatía. Existen escenas que enriquecen la película, como cuando James está soñando con Patty, que a pesar de su estilo de vida, realmente la quería; James muriendo, cuando su "alma" sale de su cuerpo y visualiza a la gente que llora su muerte. Y después se encuentra en su cuerpo mismo mostrando que no murió. En fin, Coppola me mantiene atento todo el tiempo, pues la historia como las imágenes son exquisitas.

De forma técnica es notorio los cambios de planos y campos, que me parecieron bien aplicados. La superposición de dos imágenes cuando Rusty James sale de su cuerpo y  se mantiene levitando.

Aunque me da un sentimiento negativo el hecho de que no viese pelis durante mucho tiempo, esto se vuelve un acierto al tener la oportunidad de encontrar estas joyas que tal vez por mi mismo nunca me habría dado la oportunidad de ver. Rumble Fish me ha impactado bastante, metiéndose a una de mis películas favoritas. 

Magistral: Cine Experimental y Avantgarde

La primera magistral del semestre fue dada por el profesor Andrea y después por Luis. Por el título de ésta entrada, sabemos de qué se trató. El profesor Andrea mostró algunos artistas que experimentaron sobre las posibilidades del cine y Luis mostró cómo la escuela desarrollaba animaciones a partir de la experimentación.

En la primera mitad de la sesión, vimos el trabajo que artistas como Ruttman, Ritcher, Man Ray, Fischinger y otros más, experimentaron. Es algo bastante notorio el hecho de que para su época la experimentación consistía en integrar el sonido en una sucesión de imágenes. Particularmente me agradó el trabajo de Len Lye, con su Rainbow dance. Es interesante la forma en cómo el ritmo de la música y  las formas de las imágenes dialogan armónicamente, lo cual lo hace un trabajo divertido  y agradable a a la vista.

Este tipo de cine parece tener un desarrollo mayor en Europa, pues la mayoría de los artistas que conocimos son de países de continente.

A través de Luis, pudimos conocer un poco más sobre el taller de animación experimental que existe en la escuela. Rápidamente fue notorio lo "experimental" del taller, pues, desde palabras del propio Luis, el taller se desarrolló a partir de alumnos que siguieron intentando por sus medios desarrollar una forma experimental. Se mostraron las piezas que se desarrollan y desarrollaron en el taller mientras se hablaba de cada uno de ellos. 

En las clases de esta semana se planteó la idea de si el arte  debía  de ser divertido, concluyendo con una respuesta negativa. La obra artística sigue sus propios intereses, pasando por encima de lo que se considera divertido o no. Desde mi punto de vista, que un objeto sea divertido o aburrido depende de una visión muy personal; en algunos casos, lo divertido depende de que el espectador entienda el concepto. Lo enuncio pues, he tenido a partir de las clases y la magistral, una reflexión sobre cómo quiero que se dirija mi obra. ¿Es necesario entretener al espectador? a partir de los trabajos mostrados en la magistral, es notorio cómo algunos de los artistas piensan en esta situación y otros parecen ignorarlo o ni siquiera considerarlo. ¿Debería haber alguna diferencia? Desde mi punto de vista, el considerar si un trabajo es divertido o no conlleva a considerar a aquel que vea la obra. Y considerar esto puede tener una intención perversa: vender, hacer propaganda. (Por supuesto, esto es en casos particulares).  Desde que entré a la escuela noté el hecho de que consideraba al círculo artístico algo completamente diferente a lo que se me está mostrando. Ahora entiendo que el arte que se produce está basado en una serie de variables cuyas soluciones son las decisiones que se toman a partir de todas estas preguntas: A quién va dirigido o incluso, ¿se dirigirá a alguien?; qué intenciones tendrá, será divertido, se considera a quienes la observan... ¿será una animación? A través de todas las exposiciones de obras intento intuir la respuesta a estas preguntas. Particularmente en esta materia que aún no conozco del todo, quiero definir tales respuestas para poder encontrar una forma en cómo generar mi obra a través del video, pero aún hay una pregunta qué debo de considerar: ¿Es necesario definir las respuestas a todas estas preguntas? 

Campos y Planos.

Cuando se trabaja en un espacio bidimensional, la capacidad de movimiento es "limitada". Lo entrecomillo pues, para un universo bidimensional el término "límite" debe de ser muy diferente al que nosotros conocemos. Comparado a un espacio tridimensional, las dos dimensiones permitirían a un objeto moverse hacia adelante o hacia atrás, y hacia izquierda o derecha. Incluyamos una dimensión más: la altura. Ahora tenemos la capacidad de movernos hacia arriba o hacia abajo además de los casos ya mencionados. Esto, que suena muy simple, cambia completamente las posibilidades no solo de movimiento, sino de la forma de ver su entorno. Este pensamiento básico es aplicable a la fotografía con el video.

 La fotografía, que es bidimensional permite que el fotógrafo dirija la atención al espectador mediante el encuadre. El encuadre es la posibilidad del fotógrafo de moverse en el espacio en un universo bidimensional, él debe conocer todas sus posibilidades y detonar la que exprese mejor su intención. Al introducir una dimensión más a la fotografía, llegamos al video. Las posibilidades que la nueva dimensión le permite al video son muchas, y dentro de ellas encontramos a los campos y planos. Aunque estos son también aplicables para la fotografía, ésta no tiene tanta contundencia al usarlas pues lo que les da ese fuerte punch frente al espectador es que en el video la diferencia en planos y campos se encuentra yuxtapuesta, se plantea una comparación entre dos o más imágenes, o secuencias de ellas. Una fotografía puede tener un campo largo, por ejemplo, pero carecerá del diálogo que plantea el video entre variedad de planos y campos. 

Ahora, nuestro personaje antes llamado fotógrafo puede enlazar estas diferencias y usarlas a su favor: Enfatizar situaciones, dar pausas, dirigir la atención; mostrar la expresión del personaje, minimizarlo, elevarlo, aumentarlo. ubicarlo en el espacio, ver su compañía, o su misma soledad; mostrar una atmósfera, el entorno, el lugar. En fin, las posibilidades, como las de movimiento en un plano tridimensional, se vuelven complejas e infinitas.

Siguiendo con el tema con el que iniciamos este escrito, ¿Qué pasaría si a nuestro universo se incluyera una dimensión más? Particularmente el tiempo. Ahora, nuestro universo de 4 dimensiones permitiría movernos en el tiempo. En palabras simples, un universo de 4 dimensiones sería visto como un gusano cuya parte media sería cada uno de nosotros, cada objeto en este espacio y su cola sería una sucesión de ellos mismos en tiempos anteriores. Su cabeza serían eventos futuros. Estos podrían interactuar entre sí y entre otros objetos, pues nuestro universo nos permitiría movernos a través del tiempo. El video permite esta posiblidad, al cortar una historia para ver el pasado, o adelantarse hacia el futuro, mostrando lo que pasará. 

¿Qué posibilidades nos da el video? Infinitas. Los campos y planos permiten dirigir la atención del espectador. Acercarse a la narrativa. La movilidad en el tiempo es excelente para mostrar una historia, para darla a conocer. No podría enumerar todas las posibilidades, pues después de mi comparación parece que es más claro notar la infinidad de situaciones que podrían darse. Para un estudiante de imágenes en movimiento, lo natural es experimentar y ponerse creativo. 

Ejemplo de Campo largo

La Historia de Lisboa

Tal vez este momento, mientras escribo esto, haya influido para sentirme identificado con la película. La música es un poco nostálgica; recuerdo las imágenes de la película y se yuxtaponen en mi cabeza las imágenes de San Cristóbal de las Casas y la Ciudad de México. Hoy caminé por la ciudad,  la razón me la deberé de guardar. Vi esta ciudad diferente, no supe qué ver primero, traté de  olvidar mis prejuicios. Recordaba a mi ciudad que es  mucho más chica que este monstruo donde vivo, y me sentí igual de 'loco' que Friedrich. Siempre he considerado a San Cristóbal como mío.  Tal vez nisiquiera sea este momento, sino este día completo el que me ha influido. Es más, podría ser toda mi estancia en esta ciudad.  

Eso es lo que crea Wenders, una visión de una ciudad y los sonidos que lo acompaña. La película es chusca a momentos, es divertida. Una de las cosas que hay que remarcar en cuánto a nuestra materia es la fotografía, la propia filosofía de Friedrich y la importancia del audio en este caso. Philip Winter, es un técnico en audio que recibe una invitación de Friedrich para grabar el audio de la película que filmó en Lisboa. Philip, después de una serie de eventos desafortunados, llega a Lisboa solo para notar que su amigo Friedrich ha desaparecido. Aún así, Winter graba el audio de la película y, a su vez, investiga el paredero de Friedrich, En este contexto conoce al grupo Madredeus, quienes también trabajan para la película y al conocer a  Teresa, la vocalista del grupo, siente una atracción por ella. En algún momento Winter encuentra por fin a Friedrich y en el encuentro éste último le dice que ha desarrollado una visión diferente sobre las películas. Winter convence a su amigo de continuar la película, quien finalmente lo hace. 

Hay dos partes en la película en las que quiero profundizar: La primera, es cuando Philip muestra a los niños la forma en cómo hace los sonidos en la película. Me parece que con esto, Wenders hace evidente el quererer enfatizar en algo: La importancia de los sonidos para un film. Cabe mencionar que Friedrich, el director, trabajaba con una cámara de manivela, por lo cual su película estaba filmada en blanco y negro. Para la época en la que está ambientada la película, ya había la tecnología para el filme digital, pero de eso hablaré más tarde. Regresando a los sonidos, son ellos quienes animan a la ciudad, cuentan historias, y es que, siendo un sonido algo tan complejo, es lógico que los sonidos de cada lugar sean únicos. El señor que afila los cuchillos y su famoso silbato, la señora lavando, todo eso guarda el folclor de la cultura de un lugar. Esto, enlazado con la música de Madredeus, guía al espectador a sentir; la música agresiva podría cambiar totalmente la forma de ver una película. En este caso, la música de Madredeus perfila a ver las imágenes y admirarlas, profundizar sobre ellas, detenerte a admirarlas. 

Segundo, cuando los dos amigos se encuentran y el director le muestra la forma qué ha desarrollado de hacer sus películas. Friedrich hace una reflexión sobre su trabajo; quiere cambiar la forma de filmar, se da cuenta de que cuando él encuadra está mostrando la forma en cómo él ve la ciudad, y cambia eso completamente. Pone cámaras en diversos puntos de la ciudad, además de llevar una sobre su espalda. Todos sus films están guardados, nadie los podrá ver pues, según Friedrich, el objeto se moriría cuando alguien lo viese. Perdería toda la esencia de haber sido filmado. Es un obra maestra se dice. Quiere ser un Dziga Vertov, un Keaton. La película está cargada de éstas reflexiones todo el tiempo, profundos trabajos mentales que muestran la ansiedad de muchos artístas, que pronto entran en una manía obsesiva hasta llegar a comportamientos extremos. Esta idea es muy densa, muy fuerte. Me parece que en ese tema Wenders da en el blanco y con ella me deja bastante satisfecho.

Experimentos Pre-cinematográficos.

Hemos hablado ya acerca de la cámara lúcida y la cámara oscura, denotando el vínculo que tuvieron estos objetos en la creación de nuevos instrumentos que terminaron en el desarrollo de las imágenes en movimiento. Podríamos citar como experimentos anteriores al cine al teatro de sombras, de origen asiático, en el cual se crean figuras utilizando la sombra que se obtiene al obstaculizar el paso natural de la luz. O también la linterna mágica, donde, utilizando el mismo principio que el teatro de sombras, se proyectaban imágenes de diapositivas pintadas a mano.

Al desarrollarse la teoría de la persistencia retiniana, se crean nuevos artefactos, como el taumatropo, un cartón con dos imágenes dibujadas en sus dos caras, que al hacer girar se superponen. La rueda de Farady influye en nuevas formas, llegando al fenaquitiscopio, una rueda que contiene imágenes y rendijas para poder ver al que se le hace girar verticalmente y frente a un espejo para observar una animación; el praxisnoscopio, un cilindro con una tira de imágenes dentro y en medio unos espejos donde se ve la animación al girar; el zoetrópo que en vez de espejo contiene rendijas para poder observar la animación; en fin, muchas versiones mejoradas de estos mismos aparatos, como el zoopraxiscopio elaborado por Muybridge, que es una versión de un fenaquistiscopio mejorada, donde la rueda ya no contiene las rendijas para ver sino que la animación es vista a través de una caja.

Taumatropo

Praxinoscopio

Reynaud propone su teatro óptico en el cual se proyectan animaciones a través de un dispositivo que, en palabras muy básicas, es el resultado de la combinación del praxinoscopio y la linterna mágica. Edison propone un artefacto también, el kinetoscopio, con gran parecido al artefacto de Muybridge. 

Teatro óptico

Todos estos dispositivos, además de influir en el nacimiento de un nuevo arte, también se inmiscuyeron en proyectos artísticos contemporáneos. Un ejemplo bastante directo es el desarrollado teatro negro de Praga, inspirado en el teatro de sombras. El teatro de negro de Praga es una representación teatral donde se utilizan trajes fluorescentes, linternas y escenarios oscuros, de ahí el nombre. Es necesario decir que el teatro de Sombras sigue vigente y muchos grupos artísticos mantienen sus obras en base a esta forma de teatro. 

Escena en el teatro Negro de Prada

En estos momentos es importante destacar el uso del gif como un elemento artístico. El gif (formato de intecarmbio de gráficos, en español) una herramienta web utilizado como una forma ligera de crear una pequeña animación, además de otros usos, ha sido ya utilizado en el ámbito artístico. Podemos citar a algunos artistas en este ámbito, como Bill Domonkos, que utiliza fotografías del pasado y que anima de manera bastante particular; o Job Jacobsen, fotógrafo que también ha incurrido en el arte del gif. 

Job Jacobsen

De igual forma, encontramos artistas que incurren de otra forma en la manera de utilizar la imagen en movimiento. Un ejemplo de esta es la animación, rama del cine que ya está muy adentrada al arte. Un ejemplo puede ser Jan Svankmajer que utiliza la técnica del stop motion y muñecos los cuales dota de humanidad a través de la animación. Michaela Pavlátová, la cual realiza animaciones en base a los dibujos que ella misma realiza, con tinte femenino y político.

Michaela Pavlátová

Scott Blake presentó el año pasado un flip-book de el atentado a las torres gemelas del 11 de septiembre de 2001. Aunque este artista no necesariamente se dedica a la imagen en movimiento, decidió utilizar esta alternativa para mostrar tal vez, un punto más fuerte en su mensaje. Cada página muestra una vista diferente del acontecimiento, y el observador propone la velocidad en qué verá la secuencia. Después de esta obra hace una versión más, ahora con un zoetropo. 

Scott Blake: 9/11 flip-book

En fin, tratar de mostrar cómo el desarrollo cinematográfico ha influido en tiempos actuales sería una empresa titánica, pues es lógico notar la magnitud de estos experimentos, que han visto nacer un nuevo arte. Podríamos estar estudiando todas las formas de influencia en nuestro arte hasta el punto de que el tema se vuelva ambiguo y el vínculo ya no parezca tan directo. Lo que es cierto, es que la forma en cómo se ha desarrollado la historia no puede ser la misma; la conclusión en la que vivimos necesita de el desarrollo de estos experimentos, artefactos, instrumentos, para funcionar como ahora lo hace.