Arte digital y videoarte: del arte analógico al arte digital

Donald Kuspit introduce al libro presentando lo que el llama una tesis radical, sobre la transición del arte analógico tradicional al arte digital postmoderno. Para esto utiliza la idea de que Manet, con su obra Música en las Tullerías, se basa en códigos antes que la imagen misma. En este sentido el código es un concepto, el autor habla de una matriz de sensaciones que son causadas a partir de la obra; ésta matriz es un híbrido resultado de la experiencia perceptiva real óptica y la experiencia táctil.

El autor hace referencia al tachismo, corriente artística de pintura a base de manchas,  mediante el cual se explota la matriz de sensaciones. A Seurat con el puntillismo, antecedente de la imagen digital a base de pixeles. A Kandinsky y Malevich, que suponen el principio de la matriz de sensaciones desvinculada de la imagen como tal. A Balla con su representación de realidad virtual como campos electromagnéticos etc. 

En estos tiempos aún se puede hablar de artistas que utilicen la imagen digital generada por dispositivos no electrónicos. Un ejemplo de ello es Chuck Close con su obra Lucas I.

"Chuck Close 2". Licensed under Fair use via Wikipedia - https://en.wikipedia.org/wiki/File:Chuck_Close_2.jpg#/media/File:Chuck_Close_2.jpg

Chuck Close es  un artista estadounidense, pintor y fotógraf fotorrealista. Desde 1988 una  hemiplejia derecha restringió su capacidad de pintar tan meticulosamente como antes, pero prosiguió su carrera utilizando diversos métodos alternativos para manejar pinceles y brochas, por ejemplo atándolos a su muñeca. En esta obra Chuck utiliza una especie de puntillismo; se basa en una serie de manchas independientes que combinadas en diferentes tonos crean una imagen. Puede observarse en la imagen de la derecha como antes de cada mancha marca una cuadrícula, método que asemeja a los pixeles en las imágenes digitales. 

En el mismo sentido, Pete Fecteau crea retratos bidimensionales a base de cubos Rubik. 

Comentario final del curso

Tenía ganas de ésta materia desde el semestre pasado. Mi relación con el tiempo es estrecha, y el video que posibilita al tiempo me aseguraba una relación buena entre el medio y yo. Me agrada, me gusta, y quiero seguir haciéndolo. Tal vez el desarrollo de un lenguaje visual me fue un poco turbio, pero creo que al final del curso lo entiendo y sé que puedo mejorarlo. Me quedo con los libros que leí sobre el  tema, las películas que vi y que me abrieron a seguir interesado en ellas, algunas magistrales (siendo sincero sí, algunas) y algunos videoartessss.   

Con qué me quedo: 

La opinión de Andrea Di Castro. Algunas veces parece que el profesor puede ser duro con sus opiniones, pero creo que así debe de ser. Primeramente la opinión es un ejercicio a la crítica, del cual parece que el grupo no está acostumbrado aún, ni tampoco yo. Desde mi experiencia, el hecho de que Di Castro haya hablado sobre lo que sería mi tema final (metro) y lo que le parecía me hizo considerar nuevas situaciones al video. Una crítica puede ser tomada de muchas formas: puede ser vista de forma objetiva, y darle el sentido que se merece (depende mucho también quién está opinando) o puede ignorarse y seguir. Ninguna de las dos situaciones tiene por qué ser mala. En mi caso, la opinión del profesor sirvió para pensar un poco más la idea, definirla pues, encontrar si realmente se tiene una buena idea y darle más sentido para continuarla, o desecharla y meterse en algo más articulado desde ti. Yo no la seguí, sospecho que el profesor "olió" que aún no estaba seguro de mi tema. La crítica definió mi idea, y la resolvió de una forma que me convenció más. Si no se está seguro de algo, para qué hacerlo. 

El medio: 

El video da muchas posibilidades, y por eso encuentro más libertad en él. Definitivamente quiero seguir utilizándolo. 

Hay formas de mejorar el curso

Es necesario, aunque el temario no lo abarca, clases de edición. Al final nadie tuvo problemas con eso, pero creo que el hecho de conocer de antemano el software te muestra más posibilidades y la opción de abordar un tema de otras formas. 

Tiempo. Como siempre pareció que el curso se fue rápido. Creo también que ésta vez el curso no fue tan exigente, solo hasta las últimas dos semanas. Es comprensible que la escuela esté limitada en cuánto a profesores y talleres, yo propongo que se dé un espacio especial para alumnos en servicio social, cuyo servicio (válgase la redundancia) sea el apoyo a profesores en éstas materias y además tengan un espacio definido donde puedan apoyar también a los alumnos en temas que no abarca el temario, como edición.  El servicio social es una herramienta que permitiría el arreglo de nuestras limitaciones en la escuela, y creo que también tenemos muchos alumnos que tienen conocimientos en otras áreas y podrían compartirlo. 

Que éstos alumnos tengan un espacio definido y un horario donde puedan ser consultados, para aquellos que tengan duda sobre éstas materias puedan verlos en un horario cómodo para todos.  

Comentario acerca de la conferencia magistral de Karla Villegas: La máquina estética

Apenas ésta semana alguien que estuvo presente en la conferencia magistral compartió en facebook un vínculo sobre una noticia que aseguraba que una inteligencia artificial había creado por primera vez  un dibujo por su propia cuenta. El enlace tenía una noticia bastante sensacionalista, pero que me dejó duda. 

Inteligencia artificial crea el primer dibujo por cuenta propia

Investigué mas sobre el tema y noté que primeramente ésta noticia no era replicada en sitios de "confianza" pero buscando en los comentarios de los sitios que visitaba, me encontré con un usuario que mandó el siguiente link explicando algunas cosas sobre dicha noticia. 

Yes, androids do dream of electric sheep

Después de leer el texto, entiendo ahora que las imágenes generadas son producidas por un programa de reconocimiento facial de Google, donde se escoge una imagen en la red para después estudiarla y encontrar patrones de referencia que indiquen en donde puede encontrarse una persona o algún animal; luego, regresando a la red encuentra características que le permitan seguir reconociendo formas para después modificar las imágenes hasta llegar un punto en que dichas imágenes se convierten en composiciones "horrorosas"  (según la opinión de los sitios web que hablan sobre la noticia) y que podrían sacar de pedo a cualquiera (según mi opinión). 

Cada vez es mas claro y aparecen más y más formas en que la tecnología desarrolle imágenes por si misma, como el proyecto de Manuel Felguérez intentó y logró tiempo atrás. Que la tecnología logre una autonomía a través de una inteligencia artificial parece que le quita el sueño a algunos sectores de la población, pero, nosotros como artistas nos enfocaremos de momento en el debate que la conferencia magistral de Karla Villegas propuso. ¿La tecnología puede crear arte?

Desde mi punto de vista, el proceso artístico depende completamente de un proceso intelectual anterior a la obra; es decir, el arte no es solamente un bombardeo de imágenes por parte del artista, sino que cada imagen mantiene una línea intelectual que le da sentido al momento de ser expuesta. Le llamamos discurso. La tecnología ahora es capaz de crear imágenes de forma aleatoria, pero aún no consciente. Dichas imágenes tienen un fin específico que fue pensado por el programador, o el jefe, o el dueño, o el que da las ordenes (humano). Mientras la inteligencia artificial no sea desarrollada no puede, desde mi punto de vista, hablar del arte a través y por, una máquina.

Ahora, el segundo link también nos da información importante. Desde hace varios años la carrera de la inteligencia artificial ha estado llegando a un punto serio. El que el software aprenda por si mismo (y en base al internet, en caso de google) muestra de qué forma se ésta avanzando. La ciencia ficción ha abordado el tema de la inteligencia artificial muchas veces, llegando casi a conclusiones trágicas para el ser humano, pero esto no necesariamente debe de ser así. Lo que hoy me deja pensante es el hecho de que, cuando en algún momento se alcance ésta inteligencia, ¿podría la tecnología desplazar al hombre a través del arte?

Trágico no? para el ego del artista...

Bill Viola y Gary Hill

Parecería fácil decir que el trabajo de éstos dos artistas es parecido. Han vivido casi en la misma época, se han desarrollado en el mismo medio. Incluso podría decirse que lo han descubierto.

No, no han vivido el mismo tiempo.

Bill y Gary han marcado las bases (no son las únicas) del video arte, de formas diferentes, en tiempos (no físicos) diferentes. Aunque los dos se inclinaron en algún momento por el perfomance dentro del video, lo cual me parecería lógico siendo los inicios del videoarte, es Bill Viola quien ha seguido, de una u otra forma ese medio, mientras Gary siguió por el camino técnico.

Y es que Gary deja de mostrar su imagen dentro de sus videos, a veces son palabras escritas, a veces es su voz, a veces son ambas. Todo esto mientras suceden una serie de imágenes generadas por la edición técnica del video. Utiliza otros medios multimedia.

Bill se muestras a sí mismo, gritando, echado bajo el agua. Sus videos muestran imágenes reconocibles, cuerpos humanos, animales, lugares que sabemos que existen. Algunas veces es él, algunas no.

Y es que, todo esto parecería lógico al entender lo que ellos hacen: Gary está en busca de un lenguaje,  a veces no es tan claro. Bill me parece más emocional, sus videos son atmósferas, sensaciones. Gary edita, sigue con el desarrollo de la tecnología y lo usa. Bill en un momento no estuvo de acuerdo con eso. Prefería ir por el camino más largo, se nota y se le agradece.

Desde mi punto de vista Bill y Gary simbolizan los caminos del videoarte, direccionan en sus inicios al video, y lo apuntan hacia el performance y a la manipulación de la imagen. Como ya había mencionado. me parece que el video tenía un momento performático lógico al principio; la manipulación virtual fue desarrollándose con el inicio del video, y con éste el videoarte.
Cada vez parecería cerrarse el camino del videoarte en cuanto a posibilidades, pero eso sería un pensamiento poco útil. Las posibilidades expresivas  existen cuando alguien encuentra como hablar con ellas.

Último video...

Últimamente, y porque me facilita el proceso, he decidido trabajar en la misma idea en todas las materias. Particularmente para esta vez había decidido trabajar sobre el tiempo, su "forma" si existiese como una dimensión más, y de su característica relativista en la mecánica. Sucede que para el video me parece un tema ya bastante desarrollado y, aunque no niego que existan posibilidades aún por desarrollar, no me atrae tanto el tema para el videoarte.

Estuve pensando que hacer para el último ejercicio; y aunque aún estoy en pensando en qué, creo que podría relacionar mi trabajo con el transporte público. Particularmente todos los días me transporto en el metro de la ciudad, y lo odio. Creo que me causa tantas sensaciones (la mayoría malas) que intentaría reproducirlas en el video.

Es notorio que he tardado un tiempo en escribir esta entrada, y es por el hecho de que me sentí presionado al decidirme por un tema en específico. Aunque yo sé que se ha pedido esta entrada para poder observar el desarrollo del tema, me parece que intentar definir un tema en el momento en el que aún estás terminando otros proyectos en video podría resultar absurdo. Entiendo que el tiempo que tenemos es limitado...

Me gustaría asegurar que no cambiaré de tema, por eso estoy trabajando en ello desde ahora.

Conferencia Magistral: El videoarte y el cuerpo

En la conferencia magistral de este viernes 8 de mayo se habló sobre el papel que el cuerpo humano ocupa en el videoarte; se mostró el trabajo de diferentes videoartistas que se expresan y expresaron de ésta forma.

Desde un punto de vista general, el arte y el cuerpo humano han estado íntimamente ligados. Esta conclusión resulta bastante obvia cuando se puntualizan las disciplinas artísticas que se basan en el cuerpo mismo, como la danza o el teatro. ¿El videoarte tendría un caso especial?

Es bien sabido que en el desarrollo humano genera una necesidad de entenderse con su igual, con lo cual desarrolló diferentes tipos de expresión comunicativa. Hablemos particularmente del lenguaje corporal. En la era moderna, existe una disciplina que se encarga de estudiar este tipo de lenguaje, llamada kinésica. Con esto quiero remarcar el hecho de que el mismo cuerpo humano propone un lenguaje único no verbal, con lo que, me parece lógico el hecho de que el cuerpo sea usado en el arte.

Como en otros escritos ya había mencionado, el arte hace uso de formas de lenguaje con las que se expresa, a través de ciertas características de este medio. En mi forma de ver, me parece lógico que en el primer acercamiento del artista al video, este  se exprese mediante su propio cuerpo. El cuerpo es algo que ya conocemos, que nos contiene  y es aquel que podemos conducir. ¿Qué pasa cuando te encuentras con un medio nuevo de expresión?, te encuentras con una nueva forma de manejar la imagen. Pues la aprovechas.

Me parece que el video, en el momento histórico en que se empezó a descubrir en el arte, nos sugería que nos expresaramos a través del cuerpo, receptor de nuestros sentidos. Desde mi punto de vista, los videoartistas estaban ante un medio que en ese momento anexaba el tiempo a la manipulación de la imagen; pero aún no se podía manipular como ahora se es manipulada. El artista contaba solamente con su propia imagen y la con la imagen de su entorno, cosa que muchas veces, terminan siendo uno mismo. Posteriormente, algunos artistas utilizaron el video como medio para registrar performance u obra propia. En la cuestión performática, parece evidente la importancia del cuerpo.

No creo que haya mucha diferencia entre el por qué algunos videoartistas han tomado su imagen dentro del video y por qué lo hago yo. Los videos que he realizado y los que quiero hacer incluyen a mi propio cuerpo como una herramienta más, la razón es que puedo disponer de esta imagen y modificarla físicamente a formas que ya conozco, porque está disponible y conozco sus límites, porque es reconocible,  tal vez tenga también razones un poco egocéntricas. Yo creo que el uso del cuerpo seguirá conectado al arte a través de los nuevos medios que serán desarrollados en el futuro, la razón, desde mi punto de vista es que el cuerpo es nuestra propia imagen.

Comentario sobre la conferencia magistral: Quicktime VR

De forma muy básica, es un formato fotográfico-digital que permite navegar a través de la imagen. Es usado comúnmente para simular la exploración de un espacio, de forma virtual. Esta herramienta permite que usuarios de diferentes partes del mundo puedan conocer a fondo un objeto particular, que muchas veces, podría resultar lejano para algunos. Aunque este uso tenga una intención didáctica, que el tema sea expuesto en la clase de videoarte nos plantea de forma directa las siguientes preguntas: ¿Cómo vamos a aprovechar las nuevas tecnologías? ¿Son todas aplicables al arte?

La segunda pregunta tendría, a mi forma de ver, un contundente sí de respuesta. La tecnología avanza y plantea al arte nuevos medios de expresión que muchas veces, mantienen un medio de expresión único al ser usados; la situación decae entonces, desde mi forma de ver, en la creatividad del artista.

Ahora, ¿cómo usar ésta herramienta en favor del arte? En la conferencia se planteaba la posibilidad de utilizarlo dentro de museos, en los cuales se pudiese tener mayor consciencia de la curaduría, de la obra y las dimensiones entre el espacio y obra, pero no se concretó nada en cuanto al hecho de que se presentase el mismo QTVR como arte.

Desde mi punto de vista, esta herramienta tiene una cercanía con el cubismo. Y es que, el QTVR plantea la posibilidad de poder observar un objeto y explorarlo completamente. Aunque en esta herramienta no existe la ausencia de tiempo pues no es posible observar al objeto completo en una misma imagen, si permite conocerlo completamente, ausentando eso sí, la movilidad física del espectador. Inmediatamente al concebir esta idea, entiendo que puede ser usado en el arte objeto.

A mi forma de ver, un lenguaje tecnológico puede ser considerado arte cuando su forma expresiva complementa el argumento de la pieza; por lo cual, la forma de expresión que el QTVR propone puede ser considerado arte siempre y cuando sea bien aprovechado su característica principal.

Aquí entonces, encuentro respuesta en la primera pregunta. La tecnología es aplicable al arte siempre que el usuario sea capaz de utilizar sus características nuevas como medio de expresión. Me alegra que las materias en la Esmeralda sean tan abiertas en ese sentido, pues limitar la expresión a “lo que ya se ha usado” también limita el desarrollo del arte. El arte pues, a mi forma de ver, debería ser libre.