Comentario Final

Vuelvo a leer mi primer comentario del blog e inmediatamente me doy cuenta de que no soy el mismo de antes. La dirección que han tomado mis ideas sobre la fotografía son completamente distintas a las que veía en ese tiempo. Presumía de ignorante en el tema, de menor rango que aficionado, con justa razón.

Habiendo entendido la teoría y empleado las formas que se expusieron en clase, no estoy satisfecho. Mi disgusto principal es que aún no he sido capaz de resolver la imagen desde un punto de muy mío de vista. Para mi fortuna, la clase ha logrado uno de sus objetivos en mí: Me ha quitado el miedo de salir y tomar una fotografía. A lo largo de estos meses, mientras fotografiaba, me encontraba en la calle con personajes bastante singulares que terminaban siendo violentos, por el hecho de pensar que el tener una cámara fotográfica me hacía reportero. Medianamente se equivocaban pues, aunque no trabajo para un medio de difusión, es cierto que la cámara te da cierto poder. Poder de la imagen. Estoy seguro de que mi relación con la fotografía no termina aquí. Más bien ha empezado y me da gusto tener un semestre más de clase sin cambiar de profesor pues, eso me da oportunidad de seguir resolviendo dudas, si es que la hay, en fotografía.

El profesor nos pide que incluyamos en este comentario una idea de cómo mejorar la clase. Desde mi punto de vista, la administración del tiempo es base. Aunque en este se hizo todo lo posible por empezar la clase de forma puntual, darse tiempo a las prácticas, etcétera, considero que esta fórmula se quebraba cuando revisábamos las fotografías: Se revisaban las fotos de los mismos alumnos y eso impedía que algunos otros tuvieran una revisión más personalizada. Las soluciones: El cronometrado es una buena opción. Podría ser factible y un ejercicio de prueba que cada alumno “critique” una fotografía de otro compañero (de forma escrita)  y después se revisen dichas críticas. Así se fortalece la visión del alumno. Si la crítica no es objetiva, también debería exponerse con el afán de aprender sobre el error.  Otra idea que me pareció muy buena y que tengo que decir no es mía. Es que el análisis que el profesor tenga sobre las fotografías sean mandadas por escrito a los alumnos. De esta forma el tiempo en clase no se altera y el alumno puede estar enterado de qué debe mejorar. Me parece que habiendo tantas fotografías por checar, sería bueno que el alumno escogiera la “peor” fotografía de su repertorio, para ser criticada. (me refiero con “peor” a la insatisfacción que el alumno tenga por una fotografía en particular). 

Pola Weiss

Me encontraba en las primeras clases de la licenciatura de Física y Matemáticas  en el Instituto Politécnico Nacional y, como es bien sabido, éstas dos materias son temidas por mucha gente que, a mi parecer, temen simplemente por el hecho de que no se han dado a la tarea de conocer un poco más de éstas, nada que ver con la dificultad.

En una de estas pláticas introductorias a la carrera, un ponente, inspirado en la vida de algunos científicos, nos dijo las siguientes palabras:

“Grandes genios han caminado hacia el lado contrario al que todo el mundo camina. Su vida ha estado llena de rechazo e incomprensión. Pero en su genialidad, en un momento de brillantez le demuestran a toda esa gente que estaban caminando hacia el lado equivocado. Y rompen los esquemas, y cambian al mundo.”

Tengo que decir que saber sobre Pola Weiss me causa nostalgia. Tal vez mi visión sobre ella sería diferente de no haber sabido que se suicidó. El trabajo de Pola no fue tan aceptado en el país como lo fue en otros países. Pola fue pionera en el videoarte en México, cosa que no resultó tan sorprendente en su tiempo como ahora me parece sorprendente.

En la exposición, que tiene más bien una dirección  documental, se expone el desarrollo de su visión artística. Se muestra ante su padre y se excusa el hecho de que tal vez ella reniegue los deseos de él al dedicarse a otra cosa menos común como al arte. “Vi de otro modo la vida” (Videato).

Se grababa en la calle mientras danzaba, además de  grabar las reacciones de las personas que la observaban. Reacciones que evidencian que la gente que observaba muchas veces no entendía de qué se trataba. -Caminaba hacia el lado contrario-.

Entiendo que a esto te debes de enfrentar cuando retas la normalidad. Cuando haces algo que no entiende la mayoría de las personas. Al rechazo. Este es el camino del artista o del científico, que popularmente se describen como locos. No pretendo hacer crítica sobre sus decisiones, pues es claro que en este país el arte no se ha aceptado completamente como nuestro. Esta vez quiero iniciar una idea, que la educación artística se extienda más allá del DF y eduque a nuestra gente de buen criterio a la hora de recibir nuevas ideas. 

Sobre la magistral de Fernando Monreal.

A diferencia de magistrales anteriores, el invitado de ésta ocasión no es precisamente un artista, utilizando la más básica significación de ésta palabra, como creador o productor; Monreal  es un estudioso del arte. Basó su plática al tema de la imagen, desdoblándola desde su concepto en arte hasta las formas en cómo se ha utilizado. 

Bajo el nombre de "Imagen, materialidad y tecnología" Monreal, basado en las ideas de W. Benjamin comenzó la plática mostrando que se hablaría de 2 temas importantes: El significado de la imagen formal y la imagen técnica. Para el primer punto definió desde un punto de vista artístico a la imagen, a la que llamó "una dualidad entre forma y contenido". Entre las formas encontramos la línea, el color, la textura, la composición, las cualidades espaciales, la organización de la imagen. En cuánto al contenido estos podían ser tema y su relación con fuentes literarias y estilos, motivos iconográficos. Se habló de que desde un punto de vista muy tradicional, esta definición de imagen abarca las obras de los artistas gráficos, pero no nos serviría para explicar la obra de un artista más inclinado a lo conceptual, como Duchamp. "Distinguimos las imágenes a partir del medio y la materialidad en las que fueron hechas" nos dice. 

Por otra parte, la imagen técnica posee una historia técnica, es un "artefacto" para ver y ser visto, abre las posibilidades de para mirar. Desde este punto de vista fue necesario recalcar la diferencia entre ver y mirar, pues ver es el acto puramente fisiológico, mientras que mirar es ver la realidad de manera mediana, es decir, a través del medio. Se siguieron definiendo otros conceptos con el fin de entender mejor; primeramente se replanteó a la imagen, ésta vez definida como "mirada que se produce con la presencia de aparatos técnicos". Aparato, la cual es la máquina que condiciona nuestra manera de comprender, ordenar y percibir el mundo. Un productor de imágenes. Los aparatos tienen la característica de hacer visibles algunas cosas y otras invisibles. Existen también diferentes formas de aparatos, como son los aparatos estéticos, máquinas que condicionan nuestro modo de ver, como las vidrieras góticas, que producen una imagen que evoca un espacio sagrado. Los aparatos proyectivos como el velo de Alberti. La perspectiva, que construye una realidad cartesiana, un orden mediante un esquema geométrico. Los aparatos de representación, como la cámara oscura. Los aparatos de reproducción y montaje, como el cine y la fotografía. La cámara cinematográfica que produce imágenes en movimiento. Los aparatos de postproducción, codificación, modificación como el software o  el hardware. 

Dentro de la imagen técnica podríamos tener 3 formas de ésta, como son la imagen materia, que encapsula el tiempo; la imagen film, que reproduce la imagen como copia, sin existir original, la imagen digital.

Aunque ésta conferencia resultó diferente a las últimas y más parecida a las primeras que se tuvieron, es interesante el hecho de que semanalmente se nos bombardee con este tipo de información bastante valiosa sobre lo que como alumnos debemos aprender. Cada vez, los temas parecen alejarse (aunque por supuesto no lo hacen) de la fotografía para mostrarnos algo bastante útil, las maneras de ser del ser artístico. Ésta vez se acercó la mirada de un investigador de arte y, como ponente me pareció más diestro que otros invitados. Como ya lo he mencionado antes, la obligación de un artista de presentar su trabajo es un tema bastante importante, por lo cual me parece que el discurso en público es bastante valioso. El tema del que se trató es de vital importancia para el quehacer artístico pues constantemente estamos trabajando sobre la imagen  y, aunque todo esto es la visión de un estudioso como W. Benjamin, me pareció acertado. 

Roland Barthes: La cámara lúcida

Al finalizar la lectura del libro “La cámara lúcida”, de Roland Barthes, tengo que decir que he quedado satisfecho. Su trabajo es un ensayo, no una crítica, sobre su percepción hacia la fotografía. A mi parecer, su obra es muy personal, aunque muchas de las cosas que él define podrían adaptarse a la percepción de cualquier otra persona.

“La fotografía muestra lo que ha sido, no lo que ya no es”, frase a mi parecer bastante acertada. Barthes nos habla en su libro que la fotografía asegura la existencia del objeto fotografiado, y lo mantiene vivo en una imagen. Retoma un tema bastante discutido en lecturas anteriores, la mentira en la fotografía. Muy de la mano en su conclusión sobre que la fotografía muestra “lo que ha sido” él nos dice que la fotografía no retrata la realidad, la utiliza con un fin específico. Lo que ya fue ya no es, por tanto no es real. Lo que existe en la fotografía sucedió.

No se puede hablar sobre “la cámara lúcida” sin hablar de lo que el autor define como “Studium” y “Punctum”. El primero, básicamente se trata de la intención del fotografía cuando se capta una imagen. El trasfondo. El segundo, un poco más conflictivo en definir, es aquello que llama tu atención, que define la fotografía, que se puntualiza. Este algunas veces no es un objeto en la fotografía, si no en la idea que representa. Barthes habla de una fotografía en específico, donde el punctum es que “la persona retratada va a morir”.

A lo largo del libro, Barthes habla sobre la relación con una fotografía sobre su madre. Al fallecer, él pone particular atención en una fotografía de ella: La foto de invernadero, en la cual su madre tenía 5 años. Para él, esta fotografía muestra lo que ella “es”, y sabe que esta fotografía solo toma importancia para él, por la que nunca la muestra (al menos en el libro) . El libro se desarrolla a través de la sensación de Barthes hacia la pérdida de su madre  y los sentimientos que mantiene al conservar esa imagen. El tiempo en la fotografía no existe, por eso la muerte se vuelve un fenómeno estratégico en la fotografía. Ésta mantiene un recuerdo de lo que ha sido, por lo tanto puede mantenerse intacto en el tiempo. La muerte  se vuelve tan importante, que incluso vincula la fotografía más cercana al teatro que a la pintura, pues éstas dos (refiriéndose particularmente al teatro primitivo) rinden “culto” a la muerte.

Me queda claro el por qué el profesor ha decidido dejar la lectura de éste libro al final del curso. Barthes en su ensayo se adueña de la fotografía, la hace suya, demuestra qué siente cuando la ve, cómo la critica. Eso, me parece es la conclusión del curso: Qué hacer con el conocimiento de la fotografía. Indirectamente el profesor sugiere el adueñarme de la fotografía. Cómo la veo, y cómo trabajaré en ella.

Mauricio Alejo

Mauricio Alejo impartió la magistral del viernes pasado, 7 de Noviembre de 2014. En ella, Alejo mostró su obra, la cual se basa en "su universo cercano y las preocupaciones personales".

Desde mi punto de vista, su trabajo es bastante directo y contundente. Utiliza objetos de la vida cotidiana, casi siempre dentro de su departamento y muestra de forma absurda sucesos que sugieren un momento de meditación acerca de ellos. Su trabajo en video trata sobre la ilusión en lo visual, siguiendo también su línea en fotografía sobre lo absurdo y cotidiano.

Para él, los artistas "tienen soluciones para problemas que no existen". Me llamó la atención varios de sus trabajos, que considere buenos. Las radiografías de las maletas en el aeropuerto, que despersonaliza a los pasajeros, mantiene su identidad sin saber quienes son y que tomó un significado diferente después del 11-09, me pareció un acierto. Sus videos cortos, crack, line, twig, que muestran el rompimiento de una ilusión visual. Lo fácil que puede ser engañado un observador por el simple hecho de observar. 

Se considera así mismo escultor, pues sus fotografías muchas veces son objetos reordenados en el espacio y que el cambia de contexto. Al escucharlo me da la impresión de que tiene encuentros casuales artísticos. Casuales aciertos artísticos. Toma esta fotografía del mapa del país y la grieta que divide al piso y a México con Estados Unidos y, aunque su intención fue mostrar con el su sentimiento de división al vivir en Norteamérica y viajar constantemente a México siendo mexicano, rápidamente su obra toma otro sentido más político, que recuerda por supuesto el conflicto entre estos países y su problemática de inmigrantes. Lo cercano geográficamente que nos encontramos y lo lejos que estamos.

Inevitablemente después de escucharlo paso por mi mente el compararlo con una de las dos  invitadas que tuvimos hace algunas semanas: Patricia Lagarde. Alejo mantiene el discurso de su obra bastante directo, además de que su propósito me parece mejor abordado. Patricia Lagarde, quien trata de sacar de contexto objetos propios y fotografiarlos, me mantiene pasivo ante su obra, mientras que Alejo inmediatamente me sugiere  preguntar ¿por qué? 

Al escuchar a Mauricio Alejo y a los otros artistas que se han invitado semanalmente me da la impresión de que el artista mexicano sufre de la misma malaria. Pues, aunque el trabajo de la mayoría de los artistas que nos visitan me ha asombrado, siento que al momento de presentarlo no son tan contundentes como su obra misma. Me da la impresión que su obra a  veces habla por si sola, y cuando ellos la presentan toma un sentido más pobre. Mauricio Alejo confesó que los espectadores de su obra le daban otro sentido al que el proponía, y se asombraba de que también pudiese verse de esa manera. Lo cual me dejó mucho que desear. Desde mi punto de vista, una obra artística que tu concibes es una parte sustancial de ti, una extensión de tu cuerpo o de tu propio pensamiento, y DEBES conocerlo como DEBERÍAS conocerte. Como deberías conocer a tu hijo, que ha sido creado a partir de tus mismos genes. Mauricio Alejo, como Patricia Lagarde o Mariana Dellekamp tienen  reconocimiento internacional, pues su trabajo ya ha pisado otros países. Debo entender con esto que debemos ser cuidadosos también no sólo de nuestro trabajo sino también de la forma en cómo nos dirigimos cuando hablamos de él. El ser artista es estar en la boca del lobo, es exponerte a un millón de opiniones, y cuánto más abarque tu obra más opiniones tendrás. Y éstas opiniones dirigirán a tu obra al reconocimiento o al olvido total. 

10 ganadores del premio Hasselblad

Aunque al principio parecía una desventaja, debo decir que el hecho de ignorar la obra de los grandes artistas fotógrafos ha incentivado el asombro en ellos cuando los conozco, lo cual me agrada y, además, me ayuda. Desde las primeras clases en fotografía fui conociendo a los artistas que han marcado el camino fotográfico. Cartier-Bresson, que es ahora uno de mis favoritos (estoy seguro que muchos de mis compañeros también lo consideran genial) fue el primer fotógrafo del que tuve conocimiento en clase. No lo incluyo en esta lista no por no merecerlo, ni mucho menos por el que sea peor que los que si son citados; ese aspecto no lo puedo calificar, pues “mejor” carece de un significado estricto en el ámbito artístico y en muchos otros; sino por el hecho de haberlo estudiado antes, de conocer su obra tal vez de forma más extensa y de asombrarme por primera vez de la fotografía con él. Quiero hacer evidente que para mí este artista tiene un trato especial, y lo dejo fuera dándole la oportunidad a un artista más de entrar en esta lista, que a mi parecer, escoger sólo 10 resultó un trabajo arduo, pues me sentí asombrado de la obra de muchos más que solo 10. De la misma forma, no incluyo en mi lista a Álvarez Bravo, William Klein, Irving Penn, cuya genialidad ya he conocido, y su omisión no es representativa de un pobre trabajo.

El premio Hasselblad de fotografía se entrega anualmente desde 1980, exceptuando el año 1983. Equivalente al premio nobel, ha galardonado hasta el momento a 33 artistas fotográficos. A continuación se enlistan a 10 que han sido galardonados con dicho premio, y los menciono porque su trabajo me ha impresionado. El orden de éstos representa nada.

Edouard Boubat. Ganador del premio Hasselblad en 1988

Me ha fascinado la forma romántica de su trabajo. Según varias fuentes, incluyendo la misma reseña de Hasselblad foundation sobre su trabajo, trataba de retratar el amor, la compasión en y sobre las personas, lo poético de la vida cotidiana. Desde mi punto de vista su trabajo es pasivo (refiriéndome a lo no violento ni drástico) transmite calma y plenitud, además de elementos que en conjunto terminan siendo un indicio de gran sensibilidad por parte del artista y gracia.

Josef Koudelka, galardonado en 1992

Koudelka hace un trabajo un poco de documentación, aunque éste no sea totalmente  su enfoque real. Se mantuvo en constante movimiento, tomando fotografías en diferentes países. Nacido en Checoslovaquia, recibió diferentes galardones además del premio Hasselblad. Considero su trabajo un poco crudo, lleno de realidades. Con la ventaja de enfatizar eventos importantes desde la fotografía, como la segunda guerra mundial, y eventos en diferentes países. Koudelka cuida la composición y el contenido como cualquier artista. Al igual que Cartier-Bresson siento notar en su trabajo un sentido natural compositivo.

Susan Meiselas, ganadora en 1994

Uno de los trabajos más conocidos de Susan es el haberse adentrado a Nicaragua para documentar los sucesos de la revolución. Después de esto siguió haciendo fotografía en esta misma forma: documentando eventos sociales. Desde sus fotografías se puede ver en la fuerza en cómo la gente está empeñada en lograr un objetivo. Me hace sentir identificado (aunque no estoy en ninguna situación como la de la gente retratada) y me hace sentir cierto compromiso social.

Robert Häusser, ganador en 1995.

Muchas fuentes colocan a Robert Häusser como fotógrafo subjetivo. En este ámbito, se consideraba a la experimentación como una vía válida de fotografía artística. Por la experimentación Robert encuentra maneras diferentes de fotografiar. Sin perder la composición logra resultados que en particular me han asombrado. Algunas fuentes hablan de que Häusser planteaba el tema de la soledad y la muerte, opinión que a veces comparto pue es cierto que muchas de sus fotografías carecen de un personaje (humano). A veces siento que su trabajo se trata también sobre el paisaje y las formas.

Christer Strömholm, ganador del premio en 1997

Fotógrafo sueco, fue inspiración de nuevas generaciones. Encontré menos información de este artista en internet que con los otros (existe información, pero está en otros idiomas, con suerte en francés) su trabajo a veces se centra en personajes singulares. Tiene series de niños de diferentes países, mostrando la inocencia en ellos de diferentes maneras. Tiene también trabajo sobre el ambiente bohemio de la época, retratando a gente bastante singular, travestidos por ejemplo. La importancia de este artista es el hecho de que impulsó la fotografía artística en Europa, y por supuesto en su país. Su trabajo me parece fascinante aunque a veces no entienda el por qué me causa tal sensación.

Cindy Sherman ganadora en 1999

Me parece bastante agradable el hecho de que el personaje principal siempre sea ella. Aunque esto por supuesto sugiere el egocentrismo, me parece un recurso bien utilizado; ponerse en los zapatos de la obra misma. Sus temas son variados: el papel de la mujer en la sociedad, el papel del artista, la naturaleza del arte etc. El hecho de que ella misma cree los sets en los que trabaja  y el maquillaje un tanto pop, sugiere la influencia de la pintura en su fotografía. Me hez amena su obra, que algunas veces es un tanto cómica. La vivacidad que imprime, digna del uso del color.

Boris Mikhailov galardonado con el premio Hasselblad en el año 2000

“I am not trying to take pictures of sensational things, but rather of those things which are in excess.”

Su trabajo me parece agradable (aunque para algunas personas no lo es) ya que maneja la crítica de forma cómica algunas veces. Los jueces de Hasselblad foundation hablan sobre él como el artista con un fondo soviético hasta hoy en día, y es notorio. Su trabajo tiene una crítica social que maneja de manera no tan seria. Su trabajo me deja confundido, no por el contenido, sino por el hecho de que en algunas piezas su trabajo presenta problemática seria que dirige con ironía.

Hiroshi Sugimoto galardonado en 2001

Sugimoto maneja su obra inspirado en el arte renacentista e ideas de occidente, queriendo reflejar en ella su análisis sobre paradojas en el tiempo. Su composición es excelsa, su trabajo muestra un grado de meticulosidad que se refleja en la “limpieza” de su obra. Muchas de sus piezas son fotografías de otras piezas a veces no tan artísticas, integrando temas como religión, historia y política de un modo bastante particular, muy “Hiroshi”.

Malick Sidibé, galardonado en 2003

Malick se encarga de retratar la vida cotidiana en África en una época de gran efervescencia. Convencido de que existe un “monopolio” occidental sobre la idea de arte, es una revelación mostrar la cultura de una región que está muy alejada de lo que le interesa a un público común. Para Malick, su propia atmósfera y naturalidad han sido un acierto. Como retratista, muestra a África en periodo de postcolinización, una época de grandes cambios culturales. Desde mi punto de vista, su trabajo está lleno de vivacidad.

Graciela Iturbide, galardonada en 2008

Graciela Iturbide ha sido un pilar importante para el desarrollo de la fotografía artística en Latinoamérica, junto con Álvarez Bravo, ambos mexicanos. Su obra mantiene fuerte la relación entre hombre y naturaleza, hombre y cultura, sociedad y poesía. Graciela muestra el ritual y la vida cotidiana no sólo de México, sino de otros países. Tiene un trabajo documental extenso, que a mi parecer resulta un poco melancólico. Lo cual, en un país como México, sería bastante lógico.

Magistral del viernes 24 de octubre de 2014.

La magistral de éste último viernes estuvo a cargo de Marco. Él, propuso en el inicio la pregunta ¿Qué decir? pues en sus palabras "ya se ha dicho mucho sobre la fotografía". Sin embargo, el tema de la fotografía es bastante extenso y hay mucho de que hablar. En su análisis, habló sobre su experiencia personal a modo de introducción. Denotó el hecho de que de alguna forma, el lugar donde convergemos (él como ponente y nosotros como público) es el arte. Fue en una exposición de Kurt Hentschläger, en el museo laboratorio arte Alameda, que encontró una experiencia religiosa. La pieza se encontraba en una sala de éste museo, la cual estaba llena con humo y se bombardeaba constantemente de luces de colores y un sonido bastante particular que creaba un atmósfera singular. Clasificó la pieza como pintura, pues (lo cito) "la pintura es color". La tecnología había cambiado la forma en cómo ver la pintura, desde éste punto de vista, e insertó la tecnología al proceso fotográfico. 

La fotografía es un avance fotográfico; vivimos a través de la fotografía. El arte es un reflejo de una sociedad/realidad a través de una época. 

Se habló de el futuro de la imagen. Se piensa en desarrollar proyectos en los cuales se pretende alcanzar el hecho en que una imagen que se ha generado en tu cabeza pueda "materializarse" y compartirse  a través o hacia un dispositivo. Aunque existen bromas sobre la posible existencia en el futuro de un chip que pueda conectarse al cuerpo humano para conectarse con tus pensamientos, la ficción puede rebasarnos en algún momento y volverse un hecho. 

La fotografía actualmente está limitada al tipo de cámara, al software que se utiliza para el archivo y/o edición; a los lentes, filtros, formatos, etc., por el hecho de que la tecnología estandariza y generaliza con un propósito comercial. Esto podría mantenerse, pues el camino del mercado en el futuro no parece tener indicios de cambiar. 

La tecnología puede también usarse como arma maliciosa, los avances tecnológicos han sido impulsados a partir de fines bélicos. El hecho de que en estos momentos existe una fuerte actividad a una plataforma como lo es el Internet, ha generado que muchas empresas exijan datos a los usuarios para después poder enfocarlos a un mercado y vender. Las ventajas de la tecnología en cuestión fotográfica es la difusión de una imagen; la tecnología crea comunidades que comparten los mismos intereses.

Actualmente se desarrollan proyectos fotográficos que hacen uso de las nuevas, y no tan nuevas, tecnologías. La fotografía aumentada, que se conforma por fotografías HDRI (high dinamic range image); fotografías panorámicas, dentro de estas el panono (panoramic ball camera) que consiste en una pelotita con muchas cámaras que detecta el momento en que al lanzarse se encuentra en la cima y toma una fotografía, QTVR (quicktime virtual reality) que permite la visualización de una fotografía panorámica y su exploración. 

Imagen tomada con una panoramic ball camera

En el tema "Hibridación y limites" se hablo del fotomovimiento, la cual como su nombre lo indica es una fotografía con movimiento. Un ejemplo de éstos son los gifs (Graphic interchange format). La diferencia con el video es que el fotomovimiento no tiene narrativa, no hay código de tiempo. El project Tango, un proyecto desarrollado por google de realidad virtual que compone mapas espaciales captado a través de cámaras de dispositivos electrónicos, para emular actividades en 3D basados en el movimiento y posición del usuario. Timelapse e hyperlapse, en donde se filma o se fotografía un suceso para después mostrar esta secuencia acelerada y ver cómo se desarrolla la escena. El bullet time, que consiste en la relentización del tiempo para observar sucesos muy veloces (un ejemplo muy claro es la filmación de ciertas escenas de la película The Matrix). La cámara Nytro,  que básicamente capta campos de luz. 

Sobre los soportes, la tecnología nos acerca a las pantallas flexibles en nuestros gadgets, Papel digital, sensores que se conectan con otros dispositivos para sincronizar o activar un disparo fotográfico. 

¿A donde va la fotografía? Se cuestionó Marco, quien inmediatamente respondió a sí mismo: Nadie sabe. La fotografía depende de la tecnología y también de la concepción del arte, que va cambiando con el paso del tiempo. Y la duda es tan clara que se muestran regresos a las técnicas antiguas a la fotografía. Diversos artistas han decidido trabajar con técnicas anteriores a la fotografía; un ejemplo bastante claro se di hace dos semanas con Patricia Lagarde y su proyecto de androtipos.

Magistral del viernes 10 de octubre de 2014

Para la magistral de éste viernes tuvimos una conferencia con las artistas visuales Marianna Dellekamp y Patricia Lagarde. Ellas presentaron sus proyectos (uno cada una) y platicaron acerca del desarrollo y la difusión de cada uno. La magistral duró poco ya que hubieron ciertos retrasos. Como éste evento fue documentado, el montaje de los instrumentos hizo que la magistral empezara tarde.  Las personas que instalaron dichos instrumentos tuvieron fallas técnicas, sobretodo de sonido, lo cual resultó bastante molesto durante la conferencia. 

Patricia Lagarde y Ars Combinatoria

Patricia Lagarde fue la primera en presentar su trabajo. Ella, fotógrafo, se inmiscuyó en otras disciplinas tales como el grabado, dibujo etc. Esto, según sus palabras, influyeron en su forma de hacer fotografía. 

Ella dijo que el soporte donde se encuentra una obra al ser colocada también debe contribuir con el discurso de ésta, y no se sentía cómoda con que fuese "una pared" (por citar un ejemplo) Decidió resolver éste problema haciendo foto-libros con sus obras. Tenía como principal objetivo que éste fuera un libro en lo que lo fundamental y principal fuese la imagen.

 Ars combinatoria es una colección de objetos en foto-libro que son sacados de contexto, sacándolos de su naturaleza misma. Sus imágenes son androtipos, pues ella considera que ha desarrollado un criterio visual que le permite encontrar una mejor calidad en un androtipo que en una fotografía digital, o algún otro medio. Su recopilación de objetos pretende ser bastante primaria e, incluso, podría calificarla de inocente. Basa su elección en ideas de cuentos de Borges, en las que según uno de estos, existía una enciclopedia china que clasificaba a los objetos como "todos los azules", o "cosas despiertas a las 5 de la mañana". Esta forma de clasificar que ella extrae de Borges me recuerda un poco a la novela de García Márquez "cien años de soledad". En uno de los capítulos los habitantes de Macondo tienen una enfermedad que no les permite dormir, esto pronto los lleva a un estado primitivo donde no recuerdan el nombre de las cosas y les ponen carteles con su nombre. Esto evoluciona hasta que no son capaces de recordar y entonces describen también para qué sirve cada cosa. La cosa se pone peor cuando no recuerda nisiquiera como leer... 

Siguiendo con lo que nos compete, ella piensa que el momento cumbre de la fotografía fueron sus orígenes, pues ahí existió una riqueza visual bastante diferente a las otras épocas. 

Marianna Dellekamp y la biblioteca de la tierra. 

Marianna parte de la idea de que todos somos coleccionista de alguna forma. Mostró su proyecto que consistía en reunir muestras de tierra de distintas partes del mundo, colocándolas en cajas de acrílico, emulando la forma, a veces, de libros. Para esto, convocó a la gente haciendo spam por e-mail a que le enviarán una bolsa con aproximadamente 1 kg. de tierra de su región. Para su sorpresa, la gente respondió de muy buena forma y su colección fue tomando forma hasta tener una cantidad considerable de muestras de tierra. 

Para cada libro (refiriéndonos por supuesto a la cajita de acrílico con la tierra) estaba escrito, como autor, el nombre de la persona que había donado la tierra. Esto, proponía el hecho de que la colección no era de un solo autor, sino que era una obra colectiva. 

Marianna decidió dividir la colección de forma cromática, por lo que cuando se presenta la obra, la colocación de los libros se hace por los tonos de color que tiene la tierra. 

Esta biblioteca fue un trabajo arduo, pues muchas veces se tuvo problemas con la aduana al enviar las porciones de tierra. También hubo mucha gente que no envió solamente tierra; también enviaban objetos endémicos de la región, o pétalos, o piedras. 

Para el fichero de la biblioteca utilizó fotografías del lugar de donde extraían la tierra, que pedía a la gente que le enviaba ésta. 

En esta magistral, Dellekamp cerró su recolección de porciones de tierra, pues decía "uno mismo sabe cuando debe retirarse". Me dio la impresión de que éste proyecto la estaba desgastando, y, aunque ella insistía en el hecho de que cada vez que le llegaba mas tierra le daban más ganas de seguir, sus palabras no fueron tan convincentes, tanto que, como se mencionó anteriormente, hizo oficial el cierre de la expansión de su obra. 

Dellekamp no abarca el tema de la fotografía tanto como Lagarde, pues las fotografías que presenta Dellekamp en el fichero son fotografías que ella no toma, sino la gente que manda la tierra. Ella utiliza la fotografía como un objeto descriptivo, complementario, mientras que Lagarde se basa completamente en la imagen. Ésta dualidad de uso de la fotografía es algo que desde sus orígenes se implementado, lo que me deja pensante; tal vez todavía seguimos la misma línea. Encontrar un punto de quiebre, como algunas veces lo plantea y lo posibilita la fotografía digital, podría dar un giro a nuestras obras. No quiero decir con esto que utilizar a la fotografía como descriptiva o meramente como una imagen sea malo, la magistral muestra las posibilidades que tenemos de armar nuestra obra cuando utilizamos la fotografía de ésta forma. Mi trabajo, ésta vez como espectador es, ¿Qué camino voy a tomar yo?

Magistral del Viernes 5 de Octubre de 2014

Se retomó el tema de la sesión pasada, en la que se habló sobre la forma de fotografía en el siglo XX. Se mencionaron algunos artistas, los cuales cito a continuación:

Louis Victor Emmanuel Sougez

Fotógrafo y crítico. Defendió la fotografía artística, a tal grado de calificar a los fotógrafos amateur como primitivos. Perteneció a "la nueva objetividad", moviemiento artístico que se opone al expresionismo y propone a la fotografía como un arte autónomo. Creó, además, un grupo llamado "el rectángulo" (título originado por la forma de las fotografías).

Alexander Rodchenko

Fotógrafo, pintor, escultor, diseñador. Enfatiza en sus principios las figuras geométricas y las formas industriales. Tuvo influencia de Malévich. Su trabajo también estuvo marcado por haberse alineado con los bolcheviques. Reorganizó en Rusia a las escuelas de arte. Dejó de tomar fotografías en 1942.

Ansel Adams y Edward Weston.

Estos dos fotógrafos estadounidenses formaban parte de un grupo llamado "F 64". Mientras Ansel Adams tomaba fotografías paisajistas y había desarrollado una teoría de "zonas método" que se usaba para dividir la graduación de zonas en un escenario en once partes, Escribió 3 libros: La cámara, el negativo, la impresión. Observa por primera vez el proceso fotográfico y propone para este 8 pasos, que terminaría evolucionando a 12. 

Weston empleaba el primer plano en temas naturales lo que le permitía obtener fotos bastante particulares. Weston conoce a Tina Modotti con quien tiene un amorío. Esta razón es la causa de que Weston incursione en el arte Mexicano. Hace una gran amistad con Diego Rivera. Propone la teoría de la visualización. 

Fotografía por Edward Weston.

En este contexto entra un personaje mexicano muy importante: Manuel Álvarez Bravo, pionero de la fotografía en México quien se acerca a Tina para conocer a Edward Weston. Después de que Manuel apertura esta nueva forma de arte, muchas mujeres mexicanas comienzan a desarrollar su trabajo.

Fotografía de Manuel Álvarez Bravo.

Bill Brand

Este fotógrafo desarrolla un estilo al tomar fotografías de desnudos con gran angular. Este artista inglés desarrolla también su trabajo  mostrando los contraste sociales de su época principalmente en su país. Sus trabajos de desnudos con gran angular "deforman" las imágenes humanas llegando a tener ciertos tintes surreales.

Weege.

Según el profesor Andrea, "Wegee era un personajazo. Cínico de primera". Su estilo era ser un fotógrafo ambulante. Por lo que su obra era bastante urbana: retrataba accidentes de tránsito, rodadas de travestis entre otras cosas. Llegó a relacionarse con la policía para desarrollar mejor su trabajo y ellos también solicitaron de su trabajo para obtener evidencias en algunos delitos o accidentes. 

Diane Arbus

Diane, de quien ya estamos familiarizados con su obra con la discusión que contiene el libro de Susan Sontang, tuvo en sus principios una tendencia a la fotografía de moda. Pasó, en la década de los 60's, a retratar la subcultura de las grandes ciudades de Norte América, Se suicidó. 

También se mencionaron, aunque en menor medida como a los artistas anteriores, a Sandy Skoglund, quien fue de los primeros artistas en hacer instalaciones; Ernst Haas; Robert Mapplethorpe quien manejaba impresiones en platino y paladio, además de poner en sus obras contenido que en ese entonces era tachado de pornografía. 

Magistral del viernes 26 de septiembre de 2014.

En esta magistral se trató el tema de la fotografía en el siglo XX. El profesor Di Castro dividió la presentación en 3 temas: Aparatos, Técnicas, y Fotógrafos.

Se introdujo la plática citando una revolución en la forma de la fotografía y la cámara fotográfica;  el hecho de que en 1920 se revolucionó la fotografía con el uso de cámaras de película plana, y con Oskar Barnack, quien encaja la película de 35 mm ya usada en la industria cinematográfica a las cámaras fotográficas.  Las cámaras que utilizaban este tipo de película eran más pequeñas, además de que con ellas se podían tomar más fotos que con las cámaras que no usaban 35 mm.

Esta revolución continúa con la invención de la cámara réflex, cuya cualidad es el disminuir o anular el error de paralaje entre el objeto a fotografiar y el fotógrafo. Este tipo de cámaras, según el profesor, comenzaron a comercializarse en mayor medida después de la guerra de las Coreas. Las cámaras como éstas presentan una desventaja,  una vibración en la cámara que implica el uso de obturaciones más altas.

Entramos al tema Aparatos, en el cuál parece lógico que se habló sobre las características de algunas cámaras. Mencionaré algunas que me parecieron importantes:

-          -Cámara Leica de 35 mm, inventada por Oskar Barnack

-         - Exakta, considerada la primera cámara Réflex

-          -Rolleiflex, que tiene dos lentes. Integraba el exposímetro, la obturación era central y permitía un formato más grande.

-          -Nikon F. Permitía el intercambio de lentes y por tanto propuso una diversidad de obras.

En 1936 comienza una producción masiva de cámaras fotográficas por parte de la marca Argus, que básicamente eran cámaras amateur, es decir, carecían de profesionalidad. En este ambiente se introducen las cámaras automáticas.

En 1947 Polaroid desarrolla la primera cámara instantánea que permite revelar una fotografía en menos de 60 segundos.

-         - Cámara Hasselblad, con magazine intercambiable, permitía cambiar de película y tenía un formato de 120 mm. Ésta cámara sustituye a la cámara de dos lentes que era muy cara, y mantiene una evolución hasta la era digital, donde se siguen produciendo cámaras de este tipo.

-          -Toyofield, basada en cámaras tipo gráfex, permitía mover el lente.

En 1990 Kodak en conjunto con Nikon presentan una cámara réflex digital. Tenía un disco duro de 80 mb y permitía almacenar en él 50 fotografías.

En técnicas, se habló de los diferentes formatos y la especificación de cada uno, además de la evolución de los rollos fotográficos.

Después se habló de fotógrafos. Al estar limitados en tiempo, hablamos de pocos artistas, aunque en el programa aparecían más autores hablamos específicamente de 4 de forma un poco apresurada.

Hablamos de August Sander, artista cuya fotografía muestra una crítica a la sociedad nazi de manera bastante sutil. Fue autodidacta en el manejo de la cámara y la fotografía, y llegó a ser bastante diestro, llegando a revelar él mismo su propio trabajo.

Antoin Giulio Bragaglia, quien se centró en el movimiento futurista e hizo un tratado teórico acerca del fotodinamismo.

Vimos el trabajo de Man Ray, de quien particularmente ya se tenía una noción, pues se estudió su obra cuando se experimentó con fotogramas.

Y por último, Lázló Moholy-Nagy, fotógrafo y escultor, quien desarrolló la “new Vision” un método para expandir la percepción.

La magistral terminó de prisa pero se prometió retomar el tema en alguna sesión siguiente para seguir conociendo las obras de los diferentes artistas. 

Pedro Meyer y Joan Fontcuberta: Ensayo.

 Después de leer el libro de Fred Ritchin, parece obligado preguntarse ¿La era digital ha marcado un cambio en el arte? A mi parecer, la respuesta es negativa, pues más allá de un cambio, me parece que la era digital ha traído nuevas oportunidades. En cuánto a la fotografía, mucha gente se ha adaptado a esta nueva forma.

Pedro Meyer

Por medio de internet pude apreciar la obra de Pedro Meyer. Lo primero que observé fue la exposición “fotografío para Recordar” en la que Meyer narra a través de imágenes el tiempo que compartió con sus padres. La historia parece tener un toque melancólico y lo es, pues pasa tiempo suficiente narrando las distintas “bajas” que sufrieron sus padres en su salud, hasta su deceso.

A pesar de que su obra parece ser análoga, es interesante cómo está disponible prácticamente para cualquiera con ganas de verla por medio del internet, lo que la vuelve digital. El medio en el que su obra está exhibida es la red, lo que nos recuerda las ideas que transmitía Fred Ritchin en el libro “después de la fotografía”. Ésta obra en particular tiene a Pedro mismo narrando la historia, lo que mantiene una conversación constante con el espectador.  De esta forma no necesitas visitar una galería y apreciar la obra original, pues por medio de la red, la originalidad se vuelve una ambigüedad. “Fotografía para recordar” nos muestra un trabajo convencional de la fotografía; sin embargo ésta obra no es una imagen de lo que Pedro Meyer es.

Retrato que Meyer realizó a sus padres. 

Siguiendo el estudio de la obra de Pedro, se pueden ver exposiciones que ya hace un uso remarcado de la edición. En la galería “Realidades y ficciones” Pedro cambia las realidades en esta colección para hacer más evidente el mensaje que desea transmitir. El título también describe con mucha precisión la idea que sigue durante toda la exposición. Meyer sigue con ésta forma de fotografía en galerías como “Exploraciones con la imagen” y “Viajando en la era digital”. En éstas es notorio que se agregan elementos ajenos a la fotografía para complementarla.

Además de esto, Pedro mantiene imágenes sobre situaciones sociales como las devastación de un terremoto en la ciudad de México, el movimiento en este país del 68; cuestiones políticas como la campaña de Miguel De La Madrid, entre otros. 

Desde mi punto de vista, Pedro parece haber explorado la fotografía en su concepto inicial y hasta su evolución hacia la era digital y parece haberse adaptado a esta transición.

Joan Fontcuberta

Me acerco más a Joan con una exposición que recién se instaló en Londres, llamada “más raro que la ficción”. Gracias a la red puedo conocer a la obra del fotógrafo que presume de ser un mentiroso, como la fotografía lo es y el arte también, según distintos autores. Está bastante marcada la composición de sus fotografías con elementos ajenos a las imágenes originales, mostrando algunas veces seres híbridos, formas extrañas, entre otras. 

Citando a Fontcuberta sobre su exposición, éste explicó que eligió la fotografía como modo de expresión artística porque «a diferencia de lo que mucha gente piensa, no es una ventana abierta y transparente en el mundo». Para el artista, «cada vez que pulsamos el disparador de una cámara» creamos una mirada «influida por una culturatecnocientífica del siglo XIX» que está «obsesionada con la verdad, la memoria, el archivo, la fragmentación»

Ésta es una de las obras que Fontcuberta exhibió recientemente en Londres. 

Fontcuberta también experimenta en fotogramas, en las que sigue la misma línea de mentira que plantea en sus obras. Parece como si Fontcuberta hubiese empezado desde siempre con la era digital. Me da la impresión de que Joan ha sido constante en la digitalización de su obra, a diferencia de Meyer que no siempre utilizó estos elementos.  De cualquier forma, estos artistas (por supuesto no son los únicos) dejan en claro cómo la era digital nos brinda nuevas formas de alcance para la fotografía, en la que el “mensaje” que se pretende enviar puede llegar a ser más amplio, más complicado, incluso algunas veces confuso. 

Después de la fotografía , de Fred Ritchin

En este ensayo Fred hace una recolección de ideas en cómo la era digital ha alcanzado a la fotografía, cómo ha evolucionado ésta en este nuevo medio y los posibles destinos que podría tener.

Freddy comienza este texto, a mi parecer bastante acertado, introduciendo el comienzo de la era digital. La “era de las computadoras” marca el inicio de una revolución tecnológica, pues con ésta los medios informativos comienzan a traducir sus datos a dígitos que son guardados esperando que un público, humano o no, pueda decodificarlo. De esta forma se traduce la fotografía a datos, donde la originalidad y la autoría de éstas pueden llegar a perderse, pues la manera en cómo ésta se comparte generaría  una confusión. Esta idea se repite a lo largo del texto, y concuerdo con ella, pues la facilidad con la que se puede generar copias de una fotografía hace que el valor de la primera obra se decline.

La fotografía deja de ser una sola “copia de la imagen” (debo advertir que esta frase no debe de tomarse de forma literal) y pasa a ser un mosaico de millones de pixeles intercambiables.

Con la llegada de la fotografía al mundo y entendiéndola ésta como realista, notamos, basados en nuestro disgusto natural de nuestra propia realidad, que podemos cambiarla, modificarla, integrarla a nuestros intereses. Así comienza la idea de edición fotográfica, que toma un camino diferente en el ámbito digital. Aunque en las fotografías análogas esta práctica podría llegar a ser común, en la era digital la fotografía “pierde relación con la realidad para siempre” según palabras de Wim Wenders. Y es que, la era digital acerca herramientas para poder cambiar una imagen y volverla algo que satisfaga nuestros intereses. Así, un asesino podría llegar a verse más violento; un político podría verse más confiable; un paisaje podría tener elementos de otros lugares; una realidad podría volverse una mentira.

¿Debe informarse al lector que una fotografía ha sido editada? Propone Freddy, pues, un problema común de la era digital es “que no existe razón alguna para creer en lo que se ve en las fotografías” (Griffith).  En mi opinión, cambiar la realidad es un tema sensible pues en un caso extremo, este podría ser tratado como manipulación en masas. Como ya nos había hablado Susy (Susan Sontang) con anterioridad, la fotografía desde sus inicios ha acercado acontecimientos hacia la gente que de otra manera nunca habría podido conocer.  Pero ¿qué sucede si cuando lo que se cuenta se basa en los intereses de otras personas?  

La fotografía evolucionó hacia una conversación entre el observador y ella misma. Basados en la información de la red (internet) una persona puede ver una fotografía e inmediatamente tener información de/o relacionada con ésta con tan sólo hacer un clic (entiendo que la frase anterior es un cliché muy usado J ).  De esta forma se crean diferentes sitios web que pretenden mantener al observador/lector comunicados con el mensaje que desean transmitir. Algunos usos que se le da a esta forma de conversación es la fotografía social. Donde de ésta forma se pretende concientizar al observador sobre algún tema en particular y convencerlo a ayudar.  Esto podría tener algo en contra: el constante bombardeo de información puede generar algo que en el texto es llamado fatiga compasiva.

Tengo que decir que los últimos capítulos del libro me agradaron completamente. Freddy nos habló acerca del futuro de la fotografía y además hizo una analogía con la física cuántica, en lo cual estoy completamente de acuerdo. Primeramente él se adelanta unos años para mostrar cómo podría ser la fotografía futura, donde los gadgets ya han evolucionado hasta el punto de que cualquier persona está al alcance de la fotografía, y podrían exagerar más. En el libro se dan ejemplos como las fotografías tomadas por anteojos, mini-cámaras oscuras portátiles e incluso, mini-cámaras para exploraciones internas.

Freddy nos dice que la fotografía digital tiene un sentido del tiempo más elástico que la fotografía análoga, lo cual me hace pensar en la mecánica que proponía Newton con la revolución que introdujo Einstein en su época. Al principio, la física que Newton proponía explicaba con mucha soberbia los principios del universo, pero con la llegada de la  física relativista, Einstein muestra que lo que Newton decía tan sólo era un caso particular de ésta nueva forma de física. Y en cuanto a fotografía, me parece  que la fotografía análoga en su tiempo mostró solamente un poco de lo que hoy se puede hacer con la fotografía digital. Freddy no dio este ejemplo. Él hablaba de física cuántica y que la fotografía podría tener significados tan complejos que podría parecerse al comportamiento de las partículas subatómicas, de las cuales sabemos poco todavía. Pero al leer estos capítulos yo puedo dar otra analogía como la anterior, entre la mecánica clásica y la física relativista.

Comentario sobre la Magistral "Historia de la fotografía en Norteamérica"

Comentario sobre la magistral “Historia Norteamericana de la fotografía”  que impartió el profesor Jorge Morales M.

El profesor dividió la historia de la fotografía en Norteamérica en 3 momentos clave. Estos básicamente son encuentros entre personajes que tuvieron gran importancia para el desarrollo de ésta historia.

El primer encuentro, se da entre, como los llama el profesor, artistas frustrados. Estos fueron Daguerre y Samuel Morse. El primero conocido por su invento, el daguerrotipo, y Morse, creador del telégrafo y el código que lleva su nombre. Cabe destacar que este último, ya había desarrollado actividad artística que en algún momento fue rechazada por la crítica. Pero, seguido por su sentido de desarrollar su arte, decide buscar nuevas formas, y se entrevista con Daguerre.

Después de esta entrevista Morse decide desarrollar su arte a través de la nueva forma encontrada por Daguerre: El daguerrotipo.

En esta etapa el profesor muestra mediante su presentación un conflicto entre el público sobre qué método era mejor para un retrato: El daguerrotipo o la pintura. Desde estos tiempos, se puede notar que a estas dos disciplinas se les asigna una rivalidad. El profesor pone ejemplos interesantes, como el de una persona con enanismo que es retratada por daguerrotipo y por pintura. En el primero se puede ver cómo el artista decide ponerlo encima de una silla para retratarlo mejor. El segundo llevaría ventaja al dejar más satisfecho al cliente, pues en la pintura “se puede mentir más”.

También se da importancia por rescatar imágenes, y se retrata a personalidades importantes de su época, o a miembros de etnias indígenas que se sabía, estaban por desaparecer.

El segundo encuentro se da entre un fotógrafo y un industrial, Muybridge y Standford.

Esta etapa me pareció particularmente importante, porque a través de la fotografía se cambia la manera de representación en la pintura, que parecía ser meramente informativa y simbólica que real.

Muybridge hace un estudio famosísimo sobre el trote de los caballos que, como ya sabemos, antes de esto la representación del trote de los caballos en la pintura era de otra manera.

Después de esto, Muybridge sigue su estudio con diferentes animales, con personas caminando y hasta artistas danzando, entre otras cosas.

El 3er encuentro fue entre Stieglitz, que ya era un fotógrafo reconocido, y Steichen, un aspirante a estudiante de pintura. Según el profesor, Steichen había recibido una beca para estudiar artes en parís, y antes de irse decidió hacerle una visita a Stieglitz, ya que era un buen seguidor de la revista de éste último. En este encuentro Stieglitz recomienda que ya en parís Steichen visite a Rodin. Stieglitz observa algunas de las fotografías que Steichen ha tomado y decide comprar una de ellas, misma que incluye en la publicación de su revista.  La relación se torna más estrecha y Steichen constantemente envía fotografías al artista en América.

Steichen decide desarrollar a fondo su fotografía, y se forja un estilo parecido al estilo que Turner, el pintor, desarrolló en su época.  Pronto va adquiriendo fama a tal grado de que tiempo después, él se encarga de rescatar la obra de Rodin, humillado por el gobierno francés al rechazar una de sus esculturas.

En cuanto a Stieglitz, se le considera el primer promotor de arte en Estados Unidos. Éste, que tenía una cantidad de amistades en el medio, mantenía una galería de arte donde expusó gente como Paul Strand o Sheeler.

Me parece interesantísima la forma en cómo se desarrolla la historia de la fotografía en Norteamérica. Estoy consciente de que hay mucho que platicar (tanto que la magistral duró dos clases), pero en la magistral se nos mostró una historia llena de bonitas amistades, de momentos clave  y de gente brillante. Ahora, complementado con la lectura del libro "después de la fotografía" puedo entender cómo se ha desarrollado la fotografía y tener una noción de la dirección que debe tomar. Me parece lógica la forma en cómo se desarrolló, y hacia donde va encaminado, pues es necesario seguir buscando formas de conocer algo que aún no terminamos de comprender, la fotografía.